Обзоры фильмов
Рецензия на фильм «Питомец Юрского периода» |
 Юный Крис почти магическим образом становится обладателем доисторического яйца. Вскоре из него вылупляется маленький милый динозаврик, которого мальчик называет Альбертом в честь Эйнштейна. Конечно же, Крис пытается прятать своего питомца ото всех, кроме друзей. И конечно же, за динозавром охотится злобный учёный, мечтающий заполучить в свои руки очередное подопытное животное.Стандартный сюжет «Питомца Юрского периода» пришёл будто бы прямиком из середины девяностых: подросток дружит со странным и опасным, но милым существом. К сожалению, из тех же времён пришла и графика. Об этом следует сказать даже раньше, чем о сценарии, ведь фильм про огромную (разумеется, динозаврик вырастет) рептилию с плохой графикой сразу теряет половину своей привлекательности — вряд ли даже «Парк Юрского периода» Стивена Спилберга смог бы когда-то выстрелить, если бы не революционный визуальный ряд. Увы, «Питомец» не просто не блещет передовыми эффектами — он безнадёжно отстаёт на многие годы. Проблемы с неестественно нарисованным динозавром дополняются откровенно слабыми съёмками. В общих сценах людей и динозавра совершенно не чувствуется контакта и присутствия обоих в кадре. Ясно, что герой тянет руку пустому месту и гладит воздух. А подросший ящер каким-то образом даже по мягкой земле бегает, не оставляя следов. И если кто-то надеется, что это удастся компенсировать интересным и динамичным сюжетом — лучше спрятать свои мечты в тёплое место и надеяться, что из них вырастет собственный динозавр. Потому что перипетиям этого фильма позавидуют даже в Болливуде. Из ниоткуда появляется и само яйцо, и некоторые персонажи; злодеи ведут себя максимально злобно без особых на то причин; герой сам устраивает проблемы, а потом с ними разбирается. Если попытаться после просмотра пересказать сюжет картины, создастся ощущение, что из неё убрали половину необходимых подробностей, начало и финал, поскольку история возникает из ниоткуда и точно так же невнятно исчезает. В довершение, актёры играют плоско. Странным образом многие умудряются вести себя отстранённо не только в общих сценах с динозавром, но и при разговорах друг с другом, иногда глядя мимо собеседника (возможно, в текст сценария). И уж даже не приходится говорить про нелепую поездку на машине, где один из персонажей крутит руль, как на детском аттракционе. Единственное, за что можно похвалить «Питомца Юрского периода» (если уж очень захочется сказать о картине что-то хорошее) — фильм ни на минуту не пытается быть чем-то большим или более серьёзным, чем он подан в трейлере или промо-кадрах. Сейчас многие пытаются рассказывать те же наивные истории из девяностых со слишком серьёзным лицом (вроде фильма «Аксель», пересказавшего «Короткое замыкание» на новый лад). «Питомец Юрского периода» — фильм, которому явно место на детском телеканале. Начинающий режиссёр, небольшой бюджет, посредственные актёры и скудные спецэффекты. Всё это можно понять в утреннем эфире Jetix, но на большом экране ему нет оправданий. Ясно, что его выпускают исключительно на волне новой популярности «Мира Юрского периода» и сразу после самого масштабного фильма про Годзиллу. Источник: kinoafisha.info
|
13 Июня 2019 0
Рецензия на фильм «Донбасс. Окраина» |
В подвале жилого дома пригорода Донецка, Марьинки, уже покинутой жителями из-за артобстрелов, 17 августа 2014 года оказалось семь человек — трое мужчин, три женщины и ребёнок. Это жительница дома, Татьяна (Ульяна Похлебаева), волонтёр Наталья (Евгения Малахова) из Киева, «бандеровка» Оксана (Анна Пескова), юный солдат ВСУ Андрей Соколов (Евгений Михеев), пожилой мужчина по фамилии Колосовский (Сергей Холмогоров) и «сепаратист» Анатолий (Гела Месхи). Каждый из них попал в подвал по своей причине: Татьяна ранее руководила здесь эвакуацией жильцов; Наталью, везущую «на фронт» варенье, бросил напарник; Колосовский разыскивает пропавшего сына-призывника; Анатолий пытался спасти пропавшего товарища, а грузовик Андрея Соколова попал под обстрел сразу по приезде в Марьинку. Он последний из прибывших — женщины сидели в подвале дольше, и Наталья даже успела вытащить из-под завалов дома мальчика, который до сих пор находится в шоке. Тем временем обстрелы учащаются, и чтобы спастись, подвал всем придётся покинуть. У каждого из героев есть личное мнение о причинах военного конфликта, которое они, конечно же, высказывают, пытаясь упрекать друг друга в происходящем. Но в ситуации совместного выживания «идеи» быстро уходят на второй план, позволяя проявиться лучшим человеческим качествам — состраданию, братству, милосердию и жертвенности. Легко ненавидеть абстрактных врагов, «сепаров» или «бандеровцев», и очень сложно это делать, глядя в глаза человеку противоположных убеждений, который спас тебе жизнь. Поэтому под палящим солнцем по улицам обезлюдевшей Марьинки искать машину для побега пойдут «сепар», «бандеровка» и «вэсэушник» — вместе, потому что только так возможно выжить. Военный триллер Рената Давлетьярова «Донбасс. Окраина» снят по мотивам реальных событий вооружённого конфликта на востоке Украины, начавшегося в 2014-м году и продолжающегося по сей день. Снят максимально жёстко и физиологично — начиная с пролога, в котором расстреливают и добивают пленного, с ходом событий градус насилия и угрозы жизни растёт по экспоненте, абсолютно отрицая заявленный рейтинг 12+. В отличие от масштабных батальных лент, в которых война манипулирует целыми армиями, героев фильма очень мало, бОльшая их часть — гражданские, женщины, и понимание, что вся военная мощь направлена сейчас против них, ужасает. Эффект присутствия срабатывает безупречно, сотрясая тело вибрациями сабвуфера. Артиллерийские снаряды падают чуть ли не в зрительный зал (и туда же, в рамку экрана, «влетают» тела контуженных от обстрела, засыпанные землёй); прямое попадание в грузовик — в нём сгорит человек, труп которого покажут позже крупным планом, и убийства продолжаются — подробные, детализированные, одно за другим. Война целится в героев снова и снова — снарядами, пулями, авиабомбой; разлетается в щепки мирная голубятня (при съёмках взрыва которой ни один голубь не пострадал). К подвалу подъезжает на БТР вооружённый отряд бойцов — и не понять, свои или чужие эти гонцы смерти. Зато понятна и неразговорчивость, и заторможенность эмоциональных реакций героев. Это защита от шока, в которой чувства прячутся куда-то вглубь, чтобы не мешать человеку действовать, когда ему нужно спастись. Фильм Давлетьярова не ставит целью анализ реальных и весьма болезненных для всех нас событий — это их художественное, преувеличенное осмысление, попытка понять через погружение внутрь, насколько такое возможно для киноискусства. Попытка прикоснуться к этой непрерывно саднящей ране, погрузиться в боль. Здесь её слегка анестезирует нереально красивый антураж заброшенного города и его окрестностей (работа художника-постановщика Резо Касаткина и оператора Кирилла Клепалова) и схематично обрисованные герои, каждый из которых представляет определённую группу людей и их отношение к происходящему. Фильм выпадает из парадигмы реализма и лишь чуть-чуть не дотягивает до притчи, в которой благородный воин спасает группу гражданских. Его сюжет легко представить на другой планете, где высвобождена огромная энергия агрессии и невидимое злобное чудище по имени «Война» скрежещет гигантскими челюстями и сотрясает землю в надежде уничтожить всех людей, а выжившие стремятся к переправе на землю обетованную, куда угодно, лишь бы подальше от смерти. В этот страшный момент можно только признать ужас, словно мальчик из фильма позвать маму и надеяться, что со временем найдутся другие, взрослые слова, чувства и поступки, способные нас исцелить. Источник: kino-teatr.ru
|
13 Июня 2019 0
Рецензия на фильм «Рокетмен» |
 Говорят, когда Элтон Джон смотрел «Рокетмена», он видел себя самого, а не артиста Тэрона Эджертона, который его играет. Учитывая, что легенда музыки последние 20 лет выглядит как упитанный и ужасно довольный жизнью человек (он уже 28 лет в завязке и счастливо живёт с партнёром), мускулистый и подтянутый Эджертон не сразу ассоциируется с певцом. Но дайте молодому британскому артисту пять минут, и он запросто убедит вас в том, что Элтон Джон был именно таким.Киношный Элтон Джон врывается в кадр, резко распахивая двери реабилитационного центра. Он одет в костюм дьявола — рога на голове, крылья за спиной, языки пламени из пайеток лижут комбинезон. «Меня зовут Элтон Геркулес Джон, и я алкоголик, наркоман, сексоголик и шопоголик», — скажет он собравшимся в круг пациентам. Для своего фильма Флетчер выбирает обрамление-исповедь, которую Джон ведёт постепенно, вспоминая себя с самого детства, с пяти лет, когда он был совсем малышом и дирижировал воображаемым оркестром на ночь глядя. Сам рассказ о судьбе певца будет довольно стандартным. Он с детства был талантливым, умел подбирать музыку на пианино, в конце 1960-х познакомился с поэтом-песенником Берни Топином, постепенно взял штурмом чарты, упивался славой и деньгами, увлекался увеселительными субстанциями и чуть не помер. Как интересно рассказать об этом? Разумеется, сделав из фильма мюзикл, сопровождая каждый творческий этап жизнь Элтона песней. Реджинальд Кеннет Дуайт (настоящее имя певца) растёт милым ребёнком в семье пышной брюнетки Шилы (Брайс Даллас Ховард) и педантичного любителя джаза Стэнли. Флетчер сразу же выдаёт девятилетнему Мэттью Иллсли шлягер 1974 года The Bitch Is Back, которая долгое время была одним из главных номеров концертов Элтона Джона. В США композиция была запрещена (из-за частого повторения слова bitch), но всё равно умудрилась достичь четвёртого места в чартах. Бодрый номер исполняется в слегка приглушённых красках — Флетчер врубает цвет на полную мощность, когда Реджи окончательно осознает себя Элтоном Джоном («Для этого придётся убить того человека, которым ты был раньше», — советует начинающему музыканту залётный американский гастролёр). Тексты песен здесь имеют значение — когда Реджи затягивает протяжную I Want Love («Мне нужна любовь»), к нему присоединяются все члены семьи. Любовь нужна всем, но её недостаток особенно остро чувствует ребёнок. Он тянется к отцу, но тот со словами «не будь тряпкой» отвергает его, а потом и вовсе уходит из семьи. Поиски становятся одним из главных мотивов фильма, но самое близкое чувство будущая звезда испытает только в компании волосатого чудика Берни Топина (Джейми Белл), с которым они проговорят до утра при встрече. Они станут как братья, и за 20 лет ни разу серьёзно не поссорятся. Элтон сообщает это на собрании группы поддержки, постепенно избавляясь от своего чертовски яркого костюма. Отламывая рога, снимая крылья и плащ, Элтон становится тем, кем он есть — лысеющим человеком, которому очень-очень важно добиться одобрения родителей. Время, которое Реджи проводит, играя в пабах, сопровождается боевиком Saturday Night’s Alright (For Fighting) с неожиданным индийским мотивом. Элтон Джон неоднократно заявлял, что ему важно, чтобы песни не были исполнены точь-в-точь, а были интерпретацией его композиций. Так и выходит — Эджертон поёт сам, причём поёт великолепно, местами точно попадая в интонации звезды. Топин считает, что на текст Border Song невозможно придумать музыку, но Элтону это удаётся. Результат — композиция нанесла имя Элтона Джона на музыкальную карту Америки, попав в чарты. Your Song — и Элтон становится настоящей звездой, как и в жизни. Crocodile Rock — и мы впервые видим новый сценический образ Джона, яркий, экстравагантный и немножечко нереальный. Флетчер не снимает байопик, он снимает сказку, интерпретацию, превращает жизнь певца в настоящую феерию образов, калейдоскоп песен и музыкальных номеров, не забывая о драме. За неё отвечают отношения Джона с менеджером Джоном Ридом (Ричард Мэдден), и здесь впервые проявляется гомосексуальная природа музыканта. Здесь есть постельная сцена, но снята она очень целомудренно, чтобы не оскорбить китайских цензоров, не допускающих подобные кадры на экраны. Смазливый управленец Рид, пожалуй, единственный антагонист в фильме, ему достаётся роль человека, упрочившего одиночество артиста, и только его сценарий Ли Холла («Билли Эллиот») по-настоящему демонизирует. Можно было бы попинать фильм за это, но совершенно не хочется, ведь «Рокетмен» летит на огромной скорости, сверкая по пути. После премьеры в Каннах камера застала лицо Эджертона, который явно рыдал. «Ну да, расчувствовался немножко, но ведь это необычный байопик», — сказал актёр на пресс-конференции в Каннах. Обычно биографии рассказывают об уже покойных людях, редко затрагивая ещё живых. История Элтона Джона — редкий случай, когда герой повествования жив-здоров и мог бы вставить палки в колёса. Но «Рокетмен» очень искренен, несмотря на все перья и блёстки, торчащие из кадра — это кино, в котором хороший мальчик Реджи превращается в неприятного артиста Элтона Джона, медленно скатываясь на самое дно. Пафосная сцена в финале идеально укладывается в уже показанный карнавал имени Элтона Джона, давая герою возможность реабилитироваться — перед собой, своими родителями и лучшим другом. «Рокетмен» завершается воспроизведением видео на песню I’m Still Standing, снятое в Каннах. Песня с альбома 1983 года как нельзя лучше отражает Элтона Джона: «Я всё ещё здесь, хоть и не надеялся на победу» поёт Эджертон, и если вы вскочите в зале, подпевая этой песне, то Флетчеру удалось донести до вас праздник по имени «Элтон Джон». Теперь давайте попробуем ответить на вопрос, заданный в начале текста. Начнём издалека. Если Queen пережили пик популярности несколько десятилетий назад, то Элтон Джон до сих пор фигурирует в прессе, считается одним из самых удачных музыкантов мира (его записи разошлись тиражом свыше 300 млн экземпляров), а всего за полгода тура «Прощай, дорога из жёлтого кирпича», который продлится до 2020 года, Джон продал билетов на 125 млн долларов. Соберёт ли «Рокетмен» больше 900 млн долларов, как «Богемская рапсодия»? Возможно, но не факт — у фильма рейтинг R, да и мюзиклы не все любят. Но как кино он на несколько голов выше драмы Сингера, хотя бы потому, что за всеми блёстками, очками и вычурной атрибутикой скрывается живой человек. Источник: kinoafisha.info
|
07 Июня 2019 0
Рецензия на фильм «Люди Икс: Тёмный Феникс» |
 Если супергероев не существует, то кто тогда Ханс Циммер? У этого парня нет страха и предубеждений. Ему чужды сомнения и компромиссы, а крики и дымная вонь подгорающих в производственном аду киноделов лишь подстёгивают его работать с максимальной отдачей. Чувак просто материализуется из воздуха и врывается в самое сердце хаоса, кастуя всеми имеющимися конечностями волшебные нотные руны. Музыка — она как фотошоп: добавляет плоской картинке объёма, насыщенности и контрастности. Коли уж для адекватного восприятия новых «Людей Икс» требуется творческое воображение, лучшего помощника, чем Циммер, в этом деле не найти.Очень может быть, что оскароносный композитор элементарно сработал на автомате, попав в знакомую среду. Видите ли, ни для кого не секрет, что большинство супергеройских фильмов в наше время делаются по образу и подобию Marvel: максимум легкомыслия и беспечного юмора, минимум мрачноты и надрыва. Это не хорошо и не плохо, это суровые реалии рынка, диктующего свои правила. Даже уникальная во многом киновселенная DC, подобрав юбки, резво бежит от своей судьбы в радужную страну единорогов. Парадокс заключается в том, что «Люди Икс: Тёмный феникс» клали с прибором на рынок и модные тренды. Они, упаси их господь, подражают DC времён Зака Снайдера! Всё верно, друзья. Если на центральной консоли вашего автомобиля красуется икона Зака Чудотворца, а ваших детей зовут Марта и Джор-Эл, то финальная глава 20-летней истории мутантов подарит вам щедрую горсть приятных ностальгических эмоций (но не более того). Отсутствие собственного режиссёрского стиля Саймон Кинберг успешно компенсирует почти неприкрытым копированием Снайдера, пусть это и не спасает картину от жесточайших повествовательных проблем. Впрочем, стараниями новоиспечённого постановщика и талантливейшего композитора «Тёмный феникс» обретает некое подобие души, поддерживающей жизнь в теле с ярко выраженными анатомическими аномалиями. История циклична. 13 лет назад оригинальная трилогия «Людей Икс» завершилась рассказом о Тёмном фениксе, и проделано это было не то чтобы безупречно. Право на сольное выступление заслужил лишь месье Росомаха, а в 2011 году случилась мягкая перезагрузка франчайза с молодыми актёрами в лице Джеймса Макэвоя, Майкла Фассбендера и Дженнифер Лоуренс. Что же было потом? А потом были возвращение блудного Брайана Сингера и его легендарная творческая коллаборация (назовём это так) с Джеймсом Кэмероном, который подсказал отцу мутантов, как вернуть на экраны старых друзей, попутно вынеся зрителям мозг хитровыдуманной путаницей с таймлайнами. И пришли они — «Люди Икс: Дни минувшего будущего». Что характерно, Сингер ухитрился сохранить хватку, свежесть взгляда и не подцепил манию величия. Каждой сценой фильма он удивлял и радовал зрителя, провоцировал его на душевные порывы. Чудодейственный тандем старой и новой школ позволил создать не только самый дорогой фильм серии, но также самый ламповый и мощный. Началом конца стал, пожалуй, «Апокалипсис» (какая ирония). Грузная, излишне усложнённая лента, смахивающая на лабиринт со множеством кроличьих нор. Получив полную свободу и карт-бланш на любые действия после гениальных «Дней минувшего будущего», Сингер с упоением погрузился в любимую стихию. Кажется, большую часть фильма постановщик бродил по бескрайним просторам метафорической долины комиксов, косплея профессора Ксавьера в Церебро. Прислушивался к щебетанию миллионов душ в эфире и генерировал сотни задротских отсылок. «Апокалипсис» можно ругать за многое, однако на экране каждую секунду происходило что-то столь же важное для вселенной «Людей Икс» в целом, сколь бесполезное для фильма в частности. Увлёкся мужик, с кем не бывает. Говоря по совести, следовало бы дать ему любые деньги и позволить завершить франчайз с подобающей помпой. Но нет! У нас тут нарисовался тайный фанат Зака Снайдера без опыта режиссёрской работы, решивший с размаху войти в историю и запилить собственную «Последнюю битву» в альтернативной реальности, с новым Тёмным фениксом и непременными отсылками к оригиналу. И ведь нельзя сказать, что не старался! Мы уже выяснили, что отличный музыкальный вкус и какая-никакая душа у картины имеются, а это дорогого стоит. Визуал тоже в порядке, что и неудивительно. Сцена с аварией челнока в космосе не просто хороша — она фантастически прекрасна (не забываем о богической музыке маэстро Циммера, делающей 50% атмосферы). Многомиллионная визуальная роскошь в самом начале фильма по-настоящему воодушевляет, ведь зритель уверен, что дальше будет только лучше. Будет же? Ну… как вам сказать. Проблема в том, что дальше начинается хождение по мукам. Действо провисает почти на час, хотя создатели тщательно драпируют сию досадную оплошность скудным эпизодическим экшеном. Драма, знаете ли. Героиня Софи Тёрнер учится жить с перманентным космическим ПМС и, подобно неприкаянной замерзающей птичке, бьётся в закрытые окна. Если же окно открыто, тупая пичуга один хрен не может попасть внутрь и в кровь расшибает голову о раму, внешний подоконник и кирпичные стены. Это всё, что нужно знать о местной драме. Справедливости ради, для пережившего масштабные пересъёмки блокбастера «Тёмный феникс» смотрится удивительно ровно. Здесь нет мудацких склеек, никто не баловался с ножницами и не пытался нарезать из киноплёнки конфетти. Картина действительно цельная, но лишь по той простой причине, что вырезать-то было и нечего. Сценарий феноменально мал на повествовательном уровне, чудовищно мал. Безусловно, 15 сантиметров — не приговор, но тут особый случай. Драматический суррогат не способен удерживать зрителя в течение долбаного часа. Зрителю нужны нормальные эмоции, а не дешёвая имитация. Или, как вариант, куча забористого экшена, который забьёт вкусовые рецепторы до отказа. Что касается уже ставшей притчей во языцех переснятой финальной боевой сцены, то всё гораздо лучше, чем вы думаете. Мы никогда не узнаем наверняка, была ли первоначальная версия так офигенна, как о том говорят, но с поездом ребята реально заморочились. Долго? Долго. Красиво? Красиво. Изобретательно? Вполне. Другое дело, что темно (бюджет-с) и ни разу не рядом с шедевральным спасением команды космического челнока. Странно говорить такое о блокбастере столь высокого уровня, но ничего круче открывающей сцены нам не покажут, увы. Поймите правильно: это вполне можно смотреть. Это типичный летний аттракцион с качественным визуалом, замечательными актёрами, душераздирающей (нет) драмой и незаслуженно шикарной музыкой. Снайдеровская стилистика с лёгким душком китайской пластмассы тоже идёт в зачёт. Большую часть времени это даже интересно, чёрт побери! Видит бог, «Тёмный феникс» отхватил бы крепкое «Кино», кабы не пара-тройка дополнительных грешков, поражающих своей незамутнённой паскудностью. Во-первых, сценарий страдает самой гадкой из всех возможных болячек: сюжет подаётся исключительно посредством диалогов, причём не самых умных. Внешние факторы, влияющие на поведение персонажей, практически отсутствуют, а это значит, что герои меняют свои приоритеты и отношение к собратьям на пустом месте. Они просто озвучивают своё решение ртом и идут творить херню, понимаете? Разумеется, предпосылки к тем или иным действиям имеются, но хотелось бы более чётких мотиваций. При относительно адекватном монтаже такая срань выглядит довольно странно. Во-вторых, природа третьей стороны противостояния (есть в фильме и такая) не раскрыта от слова «совсем». В-третьих, сама история Тёмного феникса заслуживает куда более эпичного финала, не говоря уже о финале всей саги. Не слили концовку в худших традициях супергеройских изгоев вроде «Фантастической четвёрки» — и на том спасибо. И ещё раз: это не прям ужас-ужас (разве что с академической точки зрения), а вполне себе смотрибельное кино, способное доставить удовольствие сочной картинкой, слегка искусственной атмосферой и запредельно изумительной музыкой. Опять же, не грех отметить походом в кино долгожданное возвращение маэстро Циммера в супергероику, верно? Источник: kg-portal.ru
|
07 Июня 2019 0
Рецензия на фильм «Мы всегда жили в замке» |
Шесть лет назад в поместье Блэквудов произошла страшная трагедия. Почти все семейство отравилось мышьяком за обеденным столом. Выжили только сестры Блэквуд — Констанция (Александра Даддарио) и Мэррикэт (Таисса Фармига), а также их старый дядюшка, навсегда оставшийся прикованным к коляске полоумным инвалидом. Несмотря на долгое полицейское расследование, убийца так и не был обнаружен, но испуганные обитатели ближайшего городка абсолютно уверены, что в случившемся виновен кто-то из выживших. Вероятнее всего, старшая сестра, томная красавица и настоящая южная леди Констанция Блэквуд. Предполагаемая убийца мгновенно оказалась в полной изоляции от внешнего мира и больше никогда не покидала пределы поместья. Спустя шесть лет добровольного затворничества единственный представитель Блэквудов, кто иногда все же выходит за границу семейного гнезда, чтобы посетить районное сельпо — юная дикарка Мэррикэт. Выросшая в большом и почти всегда пустом особняке среди наглухо травмированных родственников девушка верит в магию и предпочитает считать себя скорее животным или оборотнем, чем человеком. Когда на пороге поместья появляется давно потерянный кузен Чарльз Блэквуд (Себастьян Стэн), Мэррикэт понимает, что в дом пытается проникнуть зло. И она не ошибается. В основе фильма — последний роман Ширли Джексон. «Королевы американской готики» и одного из главных авторов в истории американской литературы XX столетия. Проза Джексон, несмотря на иллюзию простоты и доступности, настолько богата полутонами, деталями, тонкими нарративными приёмами, что любая экранизация оказывается обречена уже с первых строк. И проблема совсем не в том, что «книга всегда лучше». Самое известное произведение Ширли Джексон, шедевр страшной литературы «Призраки дома на холме», переносилось на большой экран несколько раз, но впервые получило аутентичное воплощение только год назад в формате 10-серийного сериала, когда талантливый молодой хоррор-мейкер Майк Фланаган, полностью отказавшись от текста оригинала, попытался уловить суть авторской мысли. Идея экранизировать роман «Мы жили в замке» родилась в стенах продюсерской компании Майкла Дугласа лет десять назад. Знаменитый актёр собирался сыграть в фильме полоумного дядю-инвалида, но за прошедшие десять лет планы продюсеров серьезно поменялись. Дугласа сменил не менее эффектный Криспин Гловер. Еще больше известных актрис успело примерить за прошедшие годы наряды сестёр Блэквуд. Здесь стоит наконец признать, что удачный выбор актёров — главный (и почти единственный) козырь режиссёра Стейси Пэссон. Гловер, Даддарио, Фармига и Стэн подходят к персонажам Ширли Джексон как влитые. Большинство положительных рецензий, посвященных «Замку», акцентируют внимание именно на касте и твердой режиссерской руке постановщицы. Проблемы фильма совсем в ином. И это очень серьезные проблемы. Стейси Пэссон экранизирует вовсе не Ширли Джексон, а скорее Антона Чехова. Если вы вдруг не читали оригинальную книгу или даже не слышали про её существование, то вполне можете поверить на секунду, что попали на вольную западную экранизацию «Трёх сестёр» или «Вишневого сада». Молодые кисейные барышни сидят в поместье и любуются огородом, ожидая, когда родня разворует семейный сервис, а местные крестьяне — пустят «красного петуха». В стремлении ставить Чехова или, прости Господи, Теннесси Уильямса нет ничего зазорного, для театрального режиссера их пьесы по сей день большая честь. Почему же тогда к середине фильма вспоминается еще и Лев Толстой, пришедший однажды в театр на первую постановку пьесы про сестёр Прозоровых и пошутивший после этого: «если пьяный лекарь будет лежать на диване, а за окном идти дождь, то это, по мнению Чехова, пьеса, а по мнению Станиславского — настроение; по моему же мнению, это скверная скука». В фильме Стэйси Пэссон с «настроением» очень сложно. Слова «готика» и «магия» прозвучали у нас чуть выше не случайно, но в фильме они совсем не ощущаются. Например, одной из главных фишек книги Ширли Джексон было очень скользкое ощущение времени действия. По разным деталям повествования мы понимали, что роман происходит где-то в эпоху его написания (1962 год — карибский кризис, война во Вьетнаме, первые альбомы Beatles), но по мере погружения героев в безумие и изоляцию история постепенно обрастала готичностью и почти средневековой атмосферой. Пытаться игнорировать атмосферу, стараясь засунуть её в универсальный чеховский «тетрис» — серьезная ошибка. Особенно если перед глазами есть куда более подходящие во всех смыслах жанровые аналоги. Например, экранизации поздних романов Агаты Кристи типа «Скрюченного домишки» или «Испытания невинностью». Источник: kinoafisha.info
|
07 Июня 2019 0
Рецензия на фильм «Вита и Вирджиния» |
Вита Сэквилл-Уэст (Джемма Артертон), аристократка и писательница, ведет образ жизни, который большинству ее современников кажется вызывающим. Она состоит в браке с дипломатом Гарольдом Никольсоном (Руперт Пенри-Джонс), но при этом регулярно крутит романы с женщинами. Последний закончился тем, что Вита, переодевшись мужчиной, сбежала с любовницей за границу, и лишь давление консервативной матери (Изабелла Росселлини), угрожавшей отобрать у дочери детей, помогло вернуть ее домой. Гарольд, по взаимной договоренности тоже имеющий гомосексуальные связи на стороне, не отказывает жене в свободе, но вежливо просит, чтобы та хотя бы формально соблюдала нормы приличия. Новым увлечением Виты становится писательница Вирджиния Вулф (Элизабет Дебики). Книги Сэквилл-Уэст продаются лучше, но она прекрасно понимает, что популярность – не всегда показатель качества. Вита проникает на вечеринку «Блумсберийского кружка», знакомится с Вирджинией и начинает открыто ее соблазнять: расточает комплименты, восхищается литературным даром, строчит любовные письма и зовет к себе в родовое поместье. Вулф не сразу откликается. Ее пугает все, что связано с телесной близостью, она психологически нестабильна и доверяет только семье блумсберийских единомышленников во главе с заботливым мужем Леонардом (Питер Фердинандо). Но в итоге старания Виты все же увенчаются успехом, и из этих сложных отношений родится «Орландо» - великая книга, центральный персонаж которой половину жизни проживает мужчиной, а половину – женщиной. Картина британской постановщицы Чании Баттон выходит в российский прокат одновременно с биографическим фильмом про Элтона Джона «Рокетмен», из которого прокатчики по собственной инициативе вырезали сцены с однополыми поцелуями и сексом. «Виту и Вирджинию» такая участь, к счастью, минула, здесь все на месте, но без некоторой «коррекции» для российской аудитории все равно не обошлось: на постере, предназначенном для отечественных кинотеатров, Вирджинии Вулф дорисовали яркий макияж и жемчужные серьги. Ненакрашенные женщины у нас по-прежнему не котируются, будь они хоть трижды гениальными. Справедливости ради стоит заметить, что искусственным украшательством отчасти занимается и сам фильм. Превращение Виты Сэквилл-Уэст в Орландо стало возможным не только благодаря богатому воображению Вулф. В реальности соблазнительница голубых кровей действительно была наделена неконвенциональной внешностью и одинаково органично смотрелась и в мужских, и в женских образах. В фильме это проявляется лишь в том, что умопомрачительная, но вполне традиционная по меркам эпохи красавица Джемма Артертон, в отличие от других героинь, часто ходит в брюках. С возрастом тоже вышла нестыковка. Реальной Вите, когда начался роман, было 30. Вирджинии – 40. В интервью Чания Баттон рассказывает о том, как важно показывать в современном кино взрослых женщин, но на роль давно замужней дамы и состоявшейся писательницы Вулф она все равно берет 26-летнюю на момент съемок Элизабет Дебики. Все это, наверное, не имело бы никакого значения, если бы фильм справился со своей главной задачей – связать любовное и творческое в жизни женщин из того времени, когда эта связь была почти невозможной. Но в картине большая часть авторских усилий почему-то направлена не на саму историю, а на обрамляющие ее вещи: наряды, декорации, музыку. Британская художница Лорна Мари Муган проделывает колоссальную работу, создавая для обеих героинь авангардный гардероб, вдохновленный работами французской одесситки Сони Делоне. Он идеально отражает разницу двух темпераментов. Охотница Вита носит яркие костюмы с анималистическими принтами, недотрога Вирджиния кутается в пальто с пышным воротником, а из всей цветовой палитры предпочитает бледно-голубые и пастельно-бежевые оттенки. На вечеринке вместо популярного в 20-е годы фокстрота звучит вполне современная электроника, и она оказывается идеальным саундтреком для богемных встреч. А вот сценарий, увы, напрочь лишен и авангардной смелости, и декоративного изящества. Его основу составляет переписка Виты и Вирджинии, витиеватые цитаты из которой вкладываются в уста героинь в качестве прямой речи. В результате две влюбленные женщины так и не говорят друг другу ничего внелитературного, бытового, да просто человеческого – сплошные «Эмоция создает в уме волну» или «Ваше перо околдовало меня». Талантливые актрисы изо всех сил пытаются придать этому обмену чистыми идеями какое-то прозаическое измерение и вывести Виту и Вирджинию за рамки биографического мифа, но, учитывая исходный материал, эта миссия кажется невыполнимой. Любовные сцены настолько неизобретательны, что один и тот же набор движений, снятый с одного и того же ракурса, в кадре повторяется аж дважды – с образом жадной до плотских удовольствий Виты это совсем не вяжется. Еще топорнее выглядит визуальное изображение психического расстройства Вулф. Оно представлено романтическими галлюцинациями в виде распускающихся цветов, прорастающей сквозь стену зелени и атакующих героиню ворон (привет хичкоковским «Птицам»). Стоило ли браться за историю о рождении литературного шедевра, если режиссерских сил хватает только на то, чтобы заставить двух красивых актрис с выражением зачитывать отрывки из личных писем? Как там было у Вулф в романе «На маяк»? «Вот так, - думала Лили, набирая на кисть зеленую краску, - сочиняем за людей подобные сценки, и это у нас называется их «помнить», «знать» и «любить». Источник: kinoafisha.info
|
07 Июня 2019 0