+ ОТКРЫТЬ САЙТБАР +

Обзоры фильмов


Рецензия на фильм «Люди в чёрном: Интернэшнл»

Люди в чёрном: Интернэшнл Если из задней части вырывается струя пламени, это не обязательно баттхёрт — может быть и форсаж. Нынче модно прикручивать к прошловековым франчайзам «форсажных» постановщиков: над «Стартеком: Бесконечностью» корпел Джастин Лин, а над свежим спин-оффом «Людей в чёрном» — Ф. Гэри Грей. По идее, они должны были прокачать и разогнать (в хорошем смысле) вверенную им интеллектуальную собственность. На практике возник риск прокатить и разогнать (уже в плохом) зрителей.

В обоих фильмах авторы проморгали разницу между динамичностью и сумбурностью, насыщенностью и «ирландским рагу». Один из главных козырей «Людей в чёрном: Интернэшнл» — его, собственно, интернациональность: Париж, Нью-Йорк, Лондон, Марракеш, Неаполь… Калейдоскоп локаций выглядит интересно. Однако при этом дух классических «ЛвЧ» сохраняется от силы в половине из них. Особенно ностальгичен пролог в Париже — но и тот не удержался от современных трендов, повторив слова Грин-де-Вальда из «Фантастических тварей».

Осовременены и персонажи: на первом плане обаятельный одарённый раздолбай Эйч и пробивная талантливая всезнайка М. Продолжая сравнение со «Стартреком», этакие ребутные Кирк и Ухура — только менее харизматичные и почти лишённые подспорья в виде команды колоритных не-главных героев. У говорящего мопса Фрэнка здесь столь крохотное камео, что экранного времени в фильме меньше, чем в трейлере; у червей — вообще пара секунд; а Кея и Джея смогут отыскать сугубо победители конкурса на внимательность — легендарные агенты представлены лишь на картине в кабинете главы лондонского отделения ЛвЧ.

Кстати, означенный глава — Ти в исполнении Лиама Нисона — один из ключевых плюсов спин-оффа. От него веет старой школой — в том числе он поддерживает традицию отцовско-сыновних отношений между разновозрастными агентами. Но и с этой темой случилась закавыка — она подана слишком в лоб, прямым текстом: агенты Эйч и Си — любимчик-шалопай и занудный ябеда-корябеда при своём «отце» Ти, на тему чего сами рьяно обмениваются шпильками типа «папенькин подхалим».

Тема любви тоже покрупнела и погрубела. Даже совпадениями и моралью фильм умудряется злоупотребить: фаталистические строки про то, что вселенная сама ведёт тебя туда, где ты должен оказаться в нужный момент, повторяются, причём в последний раз так навязчиво, что только стрелочек-указателей не хватает. К слову, изначально эти строки произносит Ти, который отвечает не только за олдскул, но и за мудрости — пусть порой перефразированные: чего стоит обновлённая версия изречения Лао-цзы, в которой на смену ли пришли световые года.

Ещё один нюанс: нынешние антагонисты больше похожи на что-то фэнтезийное, чем научно-фантастическое. Но это как раз не новинка, а старинка: в комиксе-первоисточнике Люди в чёрном противостояли не только инопланетянам, но и вампирам, демонам, оборотням и прочей зловредной мистике.

Кстати, в том комиксе, выходившем в 1990–1991 годах, Джей был европеоидным и голубоглазым блондином. В экранизации 1997 года Джея сыграл чернокожий брюнет Уилл Смит; плюс там были сильная героиня и феминизм (не только у боевитой патологоанатома, но и чуть-чуть даже у жены фермера — стараниями Джея), тема мигрантов — то есть франчайз уже 22 года назад соответствовал современным тенденциям. И не шибко нуждался в обновлении — но авторы спин-оффа не удержались. Обновления в визуальной части смотрятся круто — техника и инопланетяне радуют глаз своей фантастичностью. Обновления в сюжетной — периодически коробят: к примеру, теперь оказалось, что контакты землян с инопланетянами начались не при Кее, а как минимум на полвека раньше. Герой Криса Хемсворта блистает фансервисом едва ли не чаще, чем остроумием, а ещё косплеит Джеймса Бонда (причём сам же озвучивает эту параллель) и чуть-чуть Тора. Несмотря на то что является красой и гордостью британского отделения ЛвЧ, Эйч садится в лужу с обескураживающей регулярностью — и тогда ситуацию спасает М, которая, на минуточку, стажёр. Просто очень-очень талантливый стажёр — которая и в ЛвЧ поступает нетрадиционным способом, и курс молодого бойца проходит без напарника, и у разных инопланетян симпатию вызывает с первого взгляда… Зачастую кажется, что М больше подошло бы имя не Молли, а Мэри-Сью.

В первой части агенты, по мнению Джея, ездили на раздолбанной колымаге. Но эта колымага была полна приятных сюрпризов и даже душевности — последнюю обеспечивал Элвис. В новинке внешняя сторона транспорта соответствует внутренней: дорого, сияюще, хайтеково. Но без изюминки. Не всегда стоит отдавать тачку на прокачку: погоня за «как у всех» чревата потерей индивидуальности.

Однако переворачивать кинотеатральные кассы, гневно потрясая зонтиком и крича: «Это был не „ЛвЧ“!», всё же не тянет. Это до сих пор «ЛвЧ» — просто слабейшая из четырёх частей. Она во многом повторяет первую — и тем самым оказывает самой себе медвежью услугу, потому что сравнения не выдерживает. Впервые фильм серии снял не Барри Зонненфельд, но смена режиссёра не убавила бессердечие гравитации — франчайз всё ещё падает. Другое дело, что снижается он с очень большой высоты, установленной оригиналом, и зачастую ловко планирует на фирменном колорите, качественном визуале, солидном бюджете, авторско-актёрском опыте, выигрышном сочетании научной фантастики с детективом, боевиком и комедией. Так что до столкновения с земной твердью и уж тем более пробивания дна ему пока далеко. И просторов для развития хватает: вон сколько букв английского алфавита простаивают неиспользованными!

 
Источник: kg-portal.ru

13 Июня 2019
0


Рецензия на фильм «Боль и слава»

Боль и слава Как бы банально это ни звучало, но, кажется, в какой-то момент каждый режиссер решает развернуть объектив камеры на 180 градусов и снять кино о себе. Конечно, все фильмы в чем-то автобиографичны, но когда саморефлексия сплетается с метасюжетами о трудностях творца или природе кино, получаются удивительные вещи. Самый явный пример — сюрреалистичная трагикомедия Федерико Феллини «8 с половиной» о творческом кризисе и его преодолении. Однако сравнить «Боль и славу» хочется с другим итальянским фильмом — «Новым кинотеатром “Парадизо”» Джузеппе Торнаторе. Фильм Альмодовара — это тоже любовная открытка кинематографу, его магии и, что особенно важно, целительной силе.

Талант Альмодовара миксовать мелодраму и яркую китчевую комедию здесь достигает высот его лучших фильмов — «Поговори с ней» и «Все о моей матери», которые также поднимали темы похоти, смерти, горя и сочувствия в жизни человека. «Боль и слава» заставляет зрителя хохотать над неудачным интервью Сальвадора по телефону и вытирать слезы из-за его диалога с матерью; влюблённо смотреть на встречу героя с давним знакомым и презренно вздыхать из-за его погружения в героиновую воронку. Это не выглядит как набор эпизодов, бросающих зрителя и героев из крайности в крайность, — Альмодовару удается свести их к общему знаменателю обычной жизни испанского режиссера.

Перенести на экран сложный полуавтобиографический образ Педро Альмодовару помогает его давний знакомый и постоянный актёр — Антонио Бандерас, сыгравший, возможно, свою лучшую роль в карьере. Его Сальвадор — уязвимый и сломленный мужчина, который не может смириться со своим нынешним положением, стареющим телом и творческим кризисом, поэтому даже не задумывается о будущем. Бандерас удивительно просто ловит все слабости, сомнения, тревоги, жесты, вздохи и взгляды своего героя, окончательно убеждая нас в том, что это не придуманный персонаж, а реальный человек — с болями в спине, седой бородой и потрепанными волосами, но другим именем.

Ностальгическая одиссея в форме флешбэков по юности в бедной деревне будет поначалу казаться мертвым грузом для основной истории, потому что с прошлым Сальвадор встречается уже в сознательном возрасте. Комедийные эпизоды с бывшим актером его фильма помогут осмыслить раннее творчество и подарят желание творить дальше. Мелодраматичная сцена встречи с любовью всей жизни — одна из вершин фильма — поможет закрыть романтический гештальт тридцатилетней давности. Наконец, душераздирающая встреча с умирающей матерью заставит Сальвадора смириться с тем, кто он есть, и попросить за это прощения, как бы признавая свое поражение в бесконечное борьбе за свое Я. Из-за постоянных встреч с прошлым флешбэки о юности торчат как палец, но Альмодовар находит способ объединить прошлое и настоящее единственным возможным способом — с помощью безграничной силы кино. Финальное движение камеры сравнимо с ударом по лбу, которую наносит зрителю концовка «Прибытия» Дени Вильнева. Это одна из самых изобретательных и поэтичных сцен последних десятилетий.

«Боль и слава» могла стать лебединой песней Педро Альмодовара, последним шедевром великого испанца, после которого можно спокойно уйти на покой, но, в отличие от своего альтер эго Сальвадора, Альмодовар давно встретился с призраками прошлого, принял их и теперь, слава богу, продолжает стабильно работать.

 
Источник: film.ru

13 Июня 2019
0


Рецензия на фильм «Ма»

Ма Режиссер с комиксовым именем Тейт Тейлор, который поставил «Прислугу», женскую версию «Зеленой книги», только сильнее, показывает, что школа – основа основ нашей жизни. И кто решит посмотреть «Ма», знайте – это не триллер, а психологическая драма. Пусть вас не сбивает с толку заставка Blumhouse. «Ма» – драма, которая маскируется под триллер или хоррор.

«Ма» начинается как типичнейший слэшер с типичнейшими подростками с красивыми, чистыми лицами и желанием повеселиться. Этим желанием пользуется Сью Энн (Октавия Спенсер, получившая за «Прислугу» охапку наград, включая «Оскар»), одинокая женщина, которая работает в ветеринарке. Школьникам повезло встретить Сью Энн рядом с магазином, в котором тетка покупает им ящик выпивки. Дело-то молодое. А позже она приглашает ребят и девчат в свой дом – в подвал, мол, там пьянствовать безопаснее, подальше от родительских глаз. Собственно, за образ бодрой тусовщицы Сью получает прозвище «Ма».

Сразу понятно, что любезность женщины – не просто так, а фильмов с похожей завязкой больше, чем пальцев на руках и ногах. Взять хотя бы вышедший весной триллер «В объятиях лжи», где в роли маньячки Изабель Юппер. Здесь снова наивные подростки, хитрая женщина, тайны, подвалы, и тут, и там в ход идут шприц и пистолет, который вытаскивают в начале, а стреляет он в конце. Однако в «Ма» трагедия прошлого обыграна гораздо глубже, чем в легкомысленном триллере с Юппер.

Выясняется, что школьники не случайные, и выбраны они с заранее обдуманным намерением. Сью Энн мстит, и мстит жестоко. Деткам, а также их родителям, которых неспроста играют известные актеры Джульетт Льюис и Люк Эванс (он сыграл у Тейлора в «Девушке в поезде»), ведь выясняется, что эта история родительская. Школьники, с которыми мы проводим слишком много времени, до безобразия скучные, потому что только и делают, что напиваются, но отвечать за грехи отцов и матерей именно молодым, которых сумасшедшая запросто находит в социальных сетях. Почему и зачем – рассказывать не буду, ибо в этом и есть вся суть драмы.

Не сказать, что история свежая, да и настоящий ужас проявляется только в конце, но картину Тейта Тейлора имеет смысл похвалить за Октавию Спенсер, которая здесь бесподобна. В общем-то, это и так понятно, потому что «Ма» и есть Октавия Спенсер, как Эмили Блант – «Девушка в поезде». Если Изабель Юппер представить в образе безумной убийцы легко, то Октавию Спенсер – что-то новое. Ясно, что Сью Энн – дамочка мутная и вообще не в себе, но даже с этой мыслью трудно не поддаться ее приветливости и материнской заботливости. Актриса ловко перевоплощается, жонглируя милой улыбкой и угрожающим взглядом. Название фильма действительно отражает самое интересное, что в нем есть, – это поруганная и озлобленная женщина. Но все, что происходит вокруг героини Спенсер, – жанровые банальности.

В эпоху навязанной толерантности, когда появляются «черные» фильмы вроде «Прочь», «Мы» и «Черного клановца», «Ма» невозможно смотреть как обычный триллер. К тому же, как уже было сказано, это не триллер, потому что триллер – про напряжение и саспенс. Прошлое убийцы оказывается страшнее любых хорроров. Скажем так – черная женщина была унижена и оскорблена. Кем и как – покажут флешбэками, и там окажется, что «Ма» – немножко про расизм, хотя на месте черной мог оказаться любой. А чтобы закрепить посыл, женщина мажет белой краской черного школьника. И ладно, если бы фильм был сатирой, странной и извращенной, но нет. Ощущение какого-то абсолютного дежавю. Кино в какой-то мере загадочное, напоминающее кроме «В объятиях лжи» еще и «Кэрри», «Мизери», «Роковое влечение», «Техасскую резню бензопилой» и даже больше «Совершенство», но порой слишком абсурдное. В фильме нет ничего страшного, жуткого или мерзкого. «Ма» точно не хватает того самого «черного» пирога, который есть и едят в «Прислуге». А еще имейте в виду – кто-то наверняка прямо сейчас следит за вами в Facebook, который выдает вас на раз.

 
Источник: soyuz.ru

13 Июня 2019
0


Рецензия на фильм «Питомец Юрского периода»

Питомец Юрского периода Юный Крис почти магическим образом становится обладателем доисторического яйца. Вскоре из него вылупляется маленький милый динозаврик, которого мальчик называет Альбертом в честь Эйнштейна. Конечно же, Крис пытается прятать своего питомца ото всех, кроме друзей. И конечно же, за динозавром охотится злобный учёный, мечтающий заполучить в свои руки очередное подопытное животное.

Стандартный сюжет «Питомца Юрского периода» пришёл будто бы прямиком из середины девяностых: подросток дружит со странным и опасным, но милым существом. К сожалению, из тех же времён пришла и графика. Об этом следует сказать даже раньше, чем о сценарии, ведь фильм про огромную (разумеется, динозаврик вырастет) рептилию с плохой графикой сразу теряет половину своей привлекательности — вряд ли даже «Парк Юрского периода» Стивена Спилберга смог бы когда-то выстрелить, если бы не революционный визуальный ряд.

Увы, «Питомец» не просто не блещет передовыми эффектами — он безнадёжно отстаёт на многие годы. Проблемы с неестественно нарисованным динозавром дополняются откровенно слабыми съёмками. В общих сценах людей и динозавра совершенно не чувствуется контакта и присутствия обоих в кадре. Ясно, что герой тянет руку пустому месту и гладит воздух. А подросший ящер каким-то образом даже по мягкой земле бегает, не оставляя следов.

И если кто-то надеется, что это удастся компенсировать интересным и динамичным сюжетом — лучше спрятать свои мечты в тёплое место и надеяться, что из них вырастет собственный динозавр. Потому что перипетиям этого фильма позавидуют даже в Болливуде. Из ниоткуда появляется и само яйцо, и некоторые персонажи; злодеи ведут себя максимально злобно без особых на то причин; герой сам устраивает проблемы, а потом с ними разбирается.

Если попытаться после просмотра пересказать сюжет картины, создастся ощущение, что из неё убрали половину необходимых подробностей, начало и финал, поскольку история возникает из ниоткуда и точно так же невнятно исчезает. В довершение, актёры играют плоско. Странным образом многие умудряются вести себя отстранённо не только в общих сценах с динозавром, но и при разговорах друг с другом, иногда глядя мимо собеседника (возможно, в текст сценария). И уж даже не приходится говорить про нелепую поездку на машине, где один из персонажей крутит руль, как на детском аттракционе.

Единственное, за что можно похвалить «Питомца Юрского периода» (если уж очень захочется сказать о картине что-то хорошее) — фильм ни на минуту не пытается быть чем-то большим или более серьёзным, чем он подан в трейлере или промо-кадрах. Сейчас многие пытаются рассказывать те же наивные истории из девяностых со слишком серьёзным лицом (вроде фильма «Аксель», пересказавшего «Короткое замыкание» на новый лад).

«Питомец Юрского периода» — фильм, которому явно место на детском телеканале. Начинающий режиссёр, небольшой бюджет, посредственные актёры и скудные спецэффекты. Всё это можно понять в утреннем эфире Jetix, но на большом экране ему нет оправданий. Ясно, что его выпускают исключительно на волне новой популярности «Мира Юрского периода» и сразу после самого масштабного фильма про Годзиллу.

 
Источник: kinoafisha.info

13 Июня 2019
0


Рецензия на фильм «Донбасс. Окраина»

Донбасс. Окраина В подвале жилого дома пригорода Донецка, Марьинки, уже покинутой жителями из-за артобстрелов, 17 августа 2014 года оказалось семь человек — трое мужчин, три женщины и ребёнок. Это жительница дома, Татьяна (Ульяна Похлебаева), волонтёр Наталья (Евгения Малахова) из Киева, «бандеровка» Оксана (Анна Пескова), юный солдат ВСУ Андрей Соколов (Евгений Михеев), пожилой мужчина по фамилии Колосовский (Сергей Холмогоров) и «сепаратист» Анатолий (Гела Месхи). Каждый из них попал в подвал по своей причине: Татьяна ранее руководила здесь эвакуацией жильцов; Наталью, везущую «на фронт» варенье, бросил напарник; Колосовский разыскивает пропавшего сына-призывника; Анатолий пытался спасти пропавшего товарища, а грузовик Андрея Соколова попал под обстрел сразу по приезде в Марьинку. Он последний из прибывших — женщины сидели в подвале дольше, и Наталья даже успела вытащить из-под завалов дома мальчика, который до сих пор находится в шоке. Тем временем обстрелы учащаются, и чтобы спастись, подвал всем придётся покинуть.

У каждого из героев есть личное мнение о причинах военного конфликта, которое они, конечно же, высказывают, пытаясь упрекать друг друга в происходящем. Но в ситуации совместного выживания «идеи» быстро уходят на второй план, позволяя проявиться лучшим человеческим качествам — состраданию, братству, милосердию и жертвенности. Легко ненавидеть абстрактных врагов, «сепаров» или «бандеровцев», и очень сложно это делать, глядя в глаза человеку противоположных убеждений, который спас тебе жизнь. Поэтому под палящим солнцем по улицам обезлюдевшей Марьинки искать машину для побега пойдут «сепар», «бандеровка» и «вэсэушник» — вместе, потому что только так возможно выжить.

Военный триллер Рената Давлетьярова «Донбасс. Окраина» снят по мотивам реальных событий вооружённого конфликта на востоке Украины, начавшегося в 2014-м году и продолжающегося по сей день. Снят максимально жёстко и физиологично — начиная с пролога, в котором расстреливают и добивают пленного, с ходом событий градус насилия и угрозы жизни растёт по экспоненте, абсолютно отрицая заявленный рейтинг 12+. В отличие от масштабных батальных лент, в которых война манипулирует целыми армиями, героев фильма очень мало, бОльшая их часть — гражданские, женщины, и понимание, что вся военная мощь направлена сейчас против них, ужасает. Эффект присутствия срабатывает безупречно, сотрясая тело вибрациями сабвуфера. Артиллерийские снаряды падают чуть ли не в зрительный зал (и туда же, в рамку экрана, «влетают» тела контуженных от обстрела, засыпанные землёй); прямое попадание в грузовик — в нём сгорит человек, труп которого покажут позже крупным планом, и убийства продолжаются — подробные, детализированные, одно за другим. Война целится в героев снова и снова — снарядами, пулями, авиабомбой; разлетается в щепки мирная голубятня (при съёмках взрыва которой ни один голубь не пострадал). К подвалу подъезжает на БТР вооружённый отряд бойцов — и не понять, свои или чужие эти гонцы смерти. Зато понятна и неразговорчивость, и заторможенность эмоциональных реакций героев. Это защита от шока, в которой чувства прячутся куда-то вглубь, чтобы не мешать человеку действовать, когда ему нужно спастись.

Фильм Давлетьярова не ставит целью анализ реальных и весьма болезненных для всех нас событий — это их художественное, преувеличенное осмысление, попытка понять через погружение внутрь, насколько такое возможно для киноискусства. Попытка прикоснуться к этой непрерывно саднящей ране, погрузиться в боль.

Здесь её слегка анестезирует нереально красивый антураж заброшенного города и его окрестностей (работа художника-постановщика Резо Касаткина и оператора Кирилла Клепалова) и схематично обрисованные герои, каждый из которых представляет определённую группу людей и их отношение к происходящему. Фильм выпадает из парадигмы реализма и лишь чуть-чуть не дотягивает до притчи, в которой благородный воин спасает группу гражданских. Его сюжет легко представить на другой планете, где высвобождена огромная энергия агрессии и невидимое злобное чудище по имени «Война» скрежещет гигантскими челюстями и сотрясает землю в надежде уничтожить всех людей, а выжившие стремятся к переправе на землю обетованную, куда угодно, лишь бы подальше от смерти. В этот страшный момент можно только признать ужас, словно мальчик из фильма позвать маму и надеяться, что со временем найдутся другие, взрослые слова, чувства и поступки, способные нас исцелить.

 
Источник: kino-teatr.ru

13 Июня 2019
0


Рецензия на фильм «Рокетмен»

Рокетмен Говорят, когда Элтон Джон смотрел «Рокетмена», он видел себя самого, а не артиста Тэрона Эджертона, который его играет. Учитывая, что легенда музыки последние 20 лет выглядит как упитанный и ужасно довольный жизнью человек (он уже 28 лет в завязке и счастливо живёт с партнёром), мускулистый и подтянутый Эджертон не сразу ассоциируется с певцом. Но дайте молодому британскому артисту пять минут, и он запросто убедит вас в том, что Элтон Джон был именно таким.

Киношный Элтон Джон врывается в кадр, резко распахивая двери реабилитационного центра. Он одет в костюм дьявола — рога на голове, крылья за спиной, языки пламени из пайеток лижут комбинезон. «Меня зовут Элтон Геркулес Джон, и я алкоголик, наркоман, сексоголик и шопоголик», — скажет он собравшимся в круг пациентам. Для своего фильма Флетчер выбирает обрамление-исповедь, которую Джон ведёт постепенно, вспоминая себя с самого детства, с пяти лет, когда он был совсем малышом и дирижировал воображаемым оркестром на ночь глядя.

Сам рассказ о судьбе певца будет довольно стандартным. Он с детства был талантливым, умел подбирать музыку на пианино, в конце 1960-х познакомился с поэтом-песенником Берни Топином, постепенно взял штурмом чарты, упивался славой и деньгами, увлекался увеселительными субстанциями и чуть не помер. Как интересно рассказать об этом? Разумеется, сделав из фильма мюзикл, сопровождая каждый творческий этап жизнь Элтона песней.

Реджинальд Кеннет Дуайт (настоящее имя певца) растёт милым ребёнком в семье пышной брюнетки Шилы (Брайс Даллас Ховард) и педантичного любителя джаза Стэнли. Флетчер сразу же выдаёт девятилетнему Мэттью Иллсли шлягер 1974 года The Bitch Is Back, которая долгое время была одним из главных номеров концертов Элтона Джона. В США композиция была запрещена (из-за частого повторения слова bitch), но всё равно умудрилась достичь четвёртого места в чартах. Бодрый номер исполняется в слегка приглушённых красках — Флетчер врубает цвет на полную мощность, когда Реджи окончательно осознает себя Элтоном Джоном («Для этого придётся убить того человека, которым ты был раньше», — советует начинающему музыканту залётный американский гастролёр). Тексты песен здесь имеют значение — когда Реджи затягивает протяжную I Want Love («Мне нужна любовь»), к нему присоединяются все члены семьи. Любовь нужна всем, но её недостаток особенно остро чувствует ребёнок. Он тянется к отцу, но тот со словами «не будь тряпкой» отвергает его, а потом и вовсе уходит из семьи.

Поиски становятся одним из главных мотивов фильма, но самое близкое чувство будущая звезда испытает только в компании волосатого чудика Берни Топина (Джейми Белл), с которым они проговорят до утра при встрече. Они станут как братья, и за 20 лет ни разу серьёзно не поссорятся. Элтон сообщает это на собрании группы поддержки, постепенно избавляясь от своего чертовски яркого костюма. Отламывая рога, снимая крылья и плащ, Элтон становится тем, кем он есть — лысеющим человеком, которому очень-очень важно добиться одобрения родителей.

Время, которое Реджи проводит, играя в пабах, сопровождается боевиком Saturday Night’s Alright (For Fighting) с неожиданным индийским мотивом. Элтон Джон неоднократно заявлял, что ему важно, чтобы песни не были исполнены точь-в-точь, а были интерпретацией его композиций. Так и выходит — Эджертон поёт сам, причём поёт великолепно, местами точно попадая в интонации звезды.

Топин считает, что на текст Border Song невозможно придумать музыку, но Элтону это удаётся. Результат — композиция нанесла имя Элтона Джона на музыкальную карту Америки, попав в чарты. Your Song — и Элтон становится настоящей звездой, как и в жизни. Crocodile Rock — и мы впервые видим новый сценический образ Джона, яркий, экстравагантный и немножечко нереальный. Флетчер не снимает байопик, он снимает сказку, интерпретацию, превращает жизнь певца в настоящую феерию образов, калейдоскоп песен и музыкальных номеров, не забывая о драме.

За неё отвечают отношения Джона с менеджером Джоном Ридом (Ричард Мэдден), и здесь впервые проявляется гомосексуальная природа музыканта. Здесь есть постельная сцена, но снята она очень целомудренно, чтобы не оскорбить китайских цензоров, не допускающих подобные кадры на экраны. Смазливый управленец Рид, пожалуй, единственный антагонист в фильме, ему достаётся роль человека, упрочившего одиночество артиста, и только его сценарий Ли Холла («Билли Эллиот») по-настоящему демонизирует. Можно было бы попинать фильм за это, но совершенно не хочется, ведь «Рокетмен» летит на огромной скорости, сверкая по пути.

После премьеры в Каннах камера застала лицо Эджертона, который явно рыдал. «Ну да, расчувствовался немножко, но ведь это необычный байопик», — сказал актёр на пресс-конференции в Каннах. Обычно биографии рассказывают об уже покойных людях, редко затрагивая ещё живых. История Элтона Джона — редкий случай, когда герой повествования жив-здоров и мог бы вставить палки в колёса. Но «Рокетмен» очень искренен, несмотря на все перья и блёстки, торчащие из кадра — это кино, в котором хороший мальчик Реджи превращается в неприятного артиста Элтона Джона, медленно скатываясь на самое дно.

Пафосная сцена в финале идеально укладывается в уже показанный карнавал имени Элтона Джона, давая герою возможность реабилитироваться — перед собой, своими родителями и лучшим другом. «Рокетмен» завершается воспроизведением видео на песню I’m Still Standing, снятое в Каннах. Песня с альбома 1983 года как нельзя лучше отражает Элтона Джона: «Я всё ещё здесь, хоть и не надеялся на победу» поёт Эджертон, и если вы вскочите в зале, подпевая этой песне, то Флетчеру удалось донести до вас праздник по имени «Элтон Джон».

Теперь давайте попробуем ответить на вопрос, заданный в начале текста. Начнём издалека. Если Queen пережили пик популярности несколько десятилетий назад, то Элтон Джон до сих пор фигурирует в прессе, считается одним из самых удачных музыкантов мира (его записи разошлись тиражом свыше 300 млн экземпляров), а всего за полгода тура «Прощай, дорога из жёлтого кирпича», который продлится до 2020 года, Джон продал билетов на 125 млн долларов. Соберёт ли «Рокетмен» больше 900 млн долларов, как «Богемская рапсодия»? Возможно, но не факт — у фильма рейтинг R, да и мюзиклы не все любят. Но как кино он на несколько голов выше драмы Сингера, хотя бы потому, что за всеми блёстками, очками и вычурной атрибутикой скрывается живой человек.

 
Источник: kinoafisha.info

07 Июня 2019
0


1-6 7-12 13-18 19-24 ... 565-570 571-571