Обзоры фильмов
Рецензия на фильм «Девочка» |
 Лара родилась в теле мальчика. В качестве подарков на свой шестнадцатый день рождения она получает курс гормонов и пуанты. В ее жизни открывается новая глава, запускающая два важных процесса: подготовку к операции по смене пола, проведение которой станет возможно по достижении совершеннолетия, и начало обучения в престижной балетной школе. Окружение Лары демонстрирует поразительную эмпатию, ее поддерживают все: семья, педагоги и врачи. Даже жестокие обычно подростки вполне спокойно воспринимают мальчика, мечтающего стать балериной и пользующегося женской раздевалкой. Выводя конфликт из зоны социального, Лукас Донт сосредотачивается на проблеме принятии себя, характерной для историй coming of age и усугубленной сложностями гендерной самоидентификации.Балет как искусство, требующее от исполнительниц абсолютной женственности, становится идентификатором сложности трансгендерного пути. Лара одевается, как девушка, ведет себя, как девушка, в ней все – от походки до наклона головы – как у девушки. Но обучение в танцевальной школе выдает незаметные на первый взгляд детали: широкую кость, мощные икры и бицепсы, далеко не изящную шею. Лара упорна. День за днем ее сбитые в кровь ноги поднимаются на пуанты, лицо багровеет от напряжения, бесконечные вращения и прыжки никак не обретают нужной легкости, но она продолжает трудиться. Эмоциональное состояние транслируется через физиологический ад, который героиня создает для себя сама. Лара заклеивает скотчем первичные половые признаки, чтобы, превозмогая боль, отрывать клейкую ленту от незаживающей кожи. Из-за этого она не может ходить в туалет – и перестает пить воду во время изнурительных тренировок. Она потеет на занятиях, но не может пойти в душ вместе с другими девочками. Донт доводит до предела отрицание своего тела, загоняя в угол и героиню, неспособную еще два года терпеть кожу, в которой она живет, и весь фильм – развязка в духе Ларса фон Триера выглядит слишком нарочитой, но вместе с тем неизбежной в заданных координатах. Сгущение красок сглаживается прекрасной актерской игрой Виктора Полстера. Исполнителя главной роли искали долго, рассматривая кандидатуры обоих полов. Выбор пал на профессионального танцора, и это обернулось редкой удачей. О тревогах и страхах, желании и страсти, неуверенности и целеустремленности, о мучительной работе по формированию новой себя он убедительно рассказывает с помощью языка тела. Полстер чутко улавливает то ощущение, когда сквозь приветливые улыбки мерещится неискренность. Его героиня чувствует себя девушкой, но не может разглядеть девушку в зеркальном отражении – оно двоится и расплывается. Внутренний разлад провоцирует недоверие к окружающим, в один голос уверяющим, что видят перед собой юную женщину. Во многом это может быть обусловлено характерной для любого подростка, а потому легко воспроизводимой, неспособностью любить себя и видеть свои сильные стороны, но талантливости дебюта не умаляет. Вольно или невольно Лукас Донт нащупывает слабину в победившей толерантности. Люди, инаковость которых до недавних пор подвергалась остракизму, ранимы так же, как эмоционально несформированные подростки. В то же время в их принятии социумом присутствует едва уловимое лицемерие. Это принятие возникает в результате здравомыслия, но пока не является врожденным и безусловным. Поэтому происходят сбои. Происходят они и в «Девочке»: любопытные одноклассницы на мгновение забывают о приличиях и просят показать член, потом младший брат в сердцах называет именем, данным от рождения. Да и в целом, все делают вид, что понимают, но никто по-настоящему не осознает, насколько может быть сильна ненависть к себе, к своему телу и возможностям, которые оно ограничивает. Донт, конечно, работает резкими мазками, гиперболизирует ситуацию, агрессивно сталкивает женственность и мужественность в пределах одной физической оболочки. Но ему удается найти баланс между высказыванием, откликающимся на актуальную повестку, и пронзительным высказыванием о пубертате – времени, когда нетерпение сердца заставляет желать всего и сразу. Источник: postcriticism.ru
|
21 Декабря 2018 0
Рецензия на фильм «Человек, место, время и снова человек» |
Не все морские круизы одинаково безопасны, особенно если путешествовать в окружении пушек, сенаторов и убийц. Впрочем, сразу после отплытия лайнера ничто не предвещало беды: верхняя палуба привычно пировала, нижняя не менее привычно ворчала на давно надоевший рис, и только странный старикашка с бородой мудреца собирал по углам пыль в пластиковые стаканчики. Но ближе к ночи начались оргии, для кого-то добровольные, для кого-то не очень: сенатор приглядел себе симпатичную новобрачную, после чего ее муж оказался за бортом с перерезанным горлом. А утром оказалось, что океан исчез – и корабль завис в воздухе где-то над облаками… «Я снял очень простое кино, – сказал Ким Ки Дук на Берлинском фестивале, где фильм был представлен в программе Panorama. – Я сделал его, чтобы перестать ненавидеть людей». Маэстро, конечно, кокетничает: если у него и была цель обрести любовь к человечеству, то, судя по финалу, попытка эта с грохотом провалилась. А вот что касается простоты… Новый фильм Ким Ки Дука сложным действительно не назовешь. По жанру это притча, однако большого количества трактовок в данном случае не предполагается. Метафоры и аллегории здесь прозрачны и прямолинейны: корабль легко расшифровывается как общество или государство (образ, известный в европейской культуре со времен ранней античности), еда – как жизненные блага, а сенатор – зарвавшийся правитель, и так далее. А все происходящее – приговор роду людскому, которого не спасет и новый Эдем. На самом деле, Ким Ки Дук, конечно, предается своему любимому занятию – изучает природу человеческой жестокости. Хотя, пожалуй, ответ на этот вопрос мастер кровавого эпатажа вполне внятно сформулировал еще в фильме «Весна, лето, осень, зима и снова весна» (2003). «Похоть рождает желание обладать, – говорит учитель влюбленному ученику. – Из желания обладать рождается желание убивать». Другими словами, насилие кровными узами связано с похотью и жаждой обладания. «Человек, место, время и снова человек» – максимально подробная визуализация этой формулы. Корабль поднимается в небо именно после ночных оргий. Сенатор объявляет военное положение и присваивает себе весь провиант (читай, захватывает власть и становится диктатором), и тогда выжившие начинают питаться трупами вчерашних врагов (кстати, из-за этих сцен прокат фильма в Южной Корее был запрещен). Каннибализм сдобрен антивоенными мотивами, рассуждениями автора о природе бунта и непрозрачными намеками на судьбы «отцов народа», которые вынуждены жрать за троих, ибо перетрудились. Фильм также провоцирует и на рассуждения о том, что все мы – лишь перегной для последующих поколений, и каждое новое общество строится на костях предыдущего. Но, повторюсь, подобные провокации в «Человеке» настолько прямолинейны, что стоит обойти их стороной. С другой стороны, никуда не деться от факта, что «Человек» – далеко не лучшая работа Ким Ки Дука. Это касается как визуальной составляющей (фильм сделан без особых изысков), так и внутреннего наполнения. Например, если попытаться препарировать «Человека» логикой, то он рассыпается в пыль. Откуда люди знают, что лайнер, поднявшийся в небо, не рухнет вниз? Почему никто не вспоминает, что кроме еды, человеку нужна вода? Почему на корабле нет оружия даже у капитана? И почему моряки – люди физически сильные и подготовленные – не пытаются утихомирить кучку самозванцев, захвативших власть с помощью одного единственного револьвера? Вопросов слишком много даже по меркам притчи – жанра, в котором условность всегда была выставлена на максимум. К тому же на протяжении всех двух часов зритель не может выбраться из водоворота повторов. Простой люд врывается на пир богачей, требует своей доли, получает по шеям и уходит – лишь за тем, чтобы прийти снова. Так в незначительных вариациях повторяется раз десять. При этом режиссер намеренно игнорирует законы экранного времени: мы видим, что герой только что поел, и вот он уже снова кричит, что умирает от голода (на самом деле между «обедом» и голодными воплями прошло несколько суток или даже неделя, но никто не позаботился сообщить нам об этом). Впрочем, Ким Ки Дуку важнее суть высказывания, а не его форма, так что ближе к финалу к подобной условности привыкаешь. А вот к упитанным лицам голодающих привыкнуть уже сложнее, особенно когда один из таких страдальцев, тряся тремя подбородками, лезет под пули, изображая голодное отчаяние. Как бы то ни было, азиатского фестивального кино в нашем прокате немного, а уж попыток разобраться в причинах человеческой агрессии и того меньше. К тому же «Человек, место, время и снова человек» Ким Ки Дука – отличный повод лишний раз вспомнить, что фраза «риса нет, но вы держитесь» ни к чему хорошему не приводит. Источник: timeout.ru
|
21 Декабря 2018 0
Рецензия на фильм «Воспитательница» |
Поэзия в кино часто является эдаким клеем, соединяющим сюжетные и смысловые пласты фильма. Можно вспомнить, собственно, «Поэзию» Ли Чхан Дона, в которой стихи выступали психологическим щитом для главной героини, помогая ей скрасить её неприглядную жизнь. В «Патерсоне» Джима Джармуша главный герой рифмоплётствовал, транслируя собственную и режиссёрскую философию окружающему миру и зрителям. В «Воспитательнице» стихи маленького талантливого Джимми становятся для протагонистки — воспитательницы в детском саду Лизы — проводником в мир её нереализованных надежд.Лиза — человек, сотканный из скрытых от зрителя неврозов: уже взрослые дети совершенно не чтят авторитет матери, полноватый муж давно растерял всякую привлекательность, а её выступления с собственными хокку в литературном кружке не приносят удовлетворения ни ей, ни единомышленникам. Обнаружив в своём воспитаннике недюжинный талант к сочинению стихов, она хватается за мальчика как за спасательный круг: записывает за ним каждое слово, водит на литературные вечера наравне со взрослыми и упрашивает равнодушного отца Джимми не превращать пацана в очередного предпринимателя, а развивать его дар. Нервозность героини, которую она (благодаря недюжинному таланту актрисы Мэгги Джилленхол) тщательно пытается скрыть, навевает тревогу с самого начала. «Воспитательница» выступает как драма, но постепенно обращается в тихий, затаённый в фабуле сюжета триллер, который остаётся внутри неё, не выходя за рамки скрываемых Лизой недомолвок в собственном характере. Её увлеченность стихами Джимми постепенно перерастает в одержимость, которая, возможно, остаётся неочевидной для неё самой — вплоть до финала. Такого же тихого, лишённого эмоций и оценок, отстранённого и потому особенно страшного. Фильм, на самом деле, отнюдь не про поэзию — при желании мальчик мог бы быть талантливым певцом, художником, скульптором, да хоть резчиком по дереву. Главное, что он «новый Моцарт», как называет его Лиза, показывая тем самым, что до настоящей интеллектуалки ей как Элджею до Пушкина: всё-таки Вольфганг Амадей был музыкантом, и сравнивать с ним юного поэта некорректно. Для него это лишь скромные, неосознанные попытки самовыражения, для неё же стихи — суррогат, попытка компенсировать неудовлетворенность жизнью приобщением к чему-то высокому. Трагедия в том, что она сама не осознаёт, что просто использует и мальчика, и его дар. Джимми становится для Лизы проводником в мир того, что она так хочет достичь, но никак не может из-за собственной несостоятельности. И фильм кажется своеобразным приговором представителям того типа «творческих людей», которые стремятся восполнить через созидание недостающие звенья в жизни. Рождённый ползать — слагать стихи не может? Но по сути, не в стихах дело, и даже не в творчестве. Ларс фон Триер в своём последнем фильме «Дом, который построил Джек» показал, что истинное творчество должно преследовать единственную цель — помогать людям. А творчество напускное, насквозь фальшивое и идущее не от сердца, а от затаённых внутри человека бесов, лишь несёт вред и страдания. Как и мнимая забота Лизы о Джимми, которая на деле есть не что иное, как заполнение собственных пустот чужими руками. Источник: kg-portal.ru
|
18 Декабря 2018 0
Рецензия на фильм «Аквамен» |
Одним из самых верных решений для студийных боссов было то, что они не обратили внимание на желание людей видеть в роли Аквамена Мэтта Дэймона, друга дежурного (пока еще) Бэтмена Бена Аффлека. Конечно, это был бы очень веселый выбор, но они пошли другим путем. Взяв за основу один из дизайнов Артура Карри из комиксов 90-х, Warner Bros. подобрали под него известного многим по сериалу «Игра престолов» гавайца Джейсона Момоа. Почти двухметровый, длинноволосый, бородатый громила, до этого проявивший себя в роли туповатых варваров (в том числе Конана в ремейке «Конана-варвара»), был довольно неожиданным кастинговым решением на роль подводного принца-интеллектуала. Но угрожающий вид вкупе с невероятной харизмой актера сыграл персонажу лишь на руку.Впервые он появился в киновселенной DC на экране компьютера в картине Зака Снайдера «Бэтмен против Супермена». Ролик длиною в несколько секунд производил удручающее впечатление. Но было известно, что в «Лиге справедливости» его роль будет заметно больше. И так получилось, что все сцены с ним — это фактически лучшее, что было в том фильме. Артур Карри предстал перед зрителями смешным героем-раздолбаем. На тот момент его сила еще не была освоена им полностью. Именно поэтому он неважно выглядел в битвах со Степенвульфом, а Супермен так и вовсе выкинул его из кадра в считанные секунды. В сольном фильме Артур достиг вершины мастерства и проявил себя по полной. Руководить организацией всего этого подводного бала назначили известного режиссера малобюджетных ужасов Джеймса Вана. Он сделал себе имя, сняв первую «Пилу», а также очень прибыльные серии ужастиков «Астрал» и «Заклятие». Многих могло удивить такое назначение — большинство поклонников «Форсажа» вряд ли смогут отличить, какую часть снял какой из азиатов с односложными фамилиями: Ван или Лин, Лин или Ван. У них еще и имена начинаются на «Джей». А между тем «Форсаж 7» был самым дорогим проектом в карьере Вана. Но снимать битвы лысых качков на фоне летающих машин в уже готовой вселенной — это одно, а делать с нуля подводный мир и впервые рассказывать в полном объеме на большом экране историю такого известного персонажа, как Аквамен — это совсем другое. Получилось ли у Вана убедить общественность в крутости Аквамена, и стал ли этот фильм лучшим в текущей киновселенной DС? Не стоит строить никаких иллюзий относительно сюжета фильма. Это очень классическая сказочная история, которая не пытается удивить зрителя или предложить ему что-то новое с точки зрения развития истории. Мы все знаем, чем она закончится, и каким путем герой будет идти к ее финалу. За основу взяты ранние приключениях персонажа во вселенной New 52, которые до фильма отчасти были воплощены в полнометражном мультфильме «Лига справедливости: Трон Атлантиды». Артур Карри — плод любви смотрителя маяка Тома (Темуэрра Моррисон) и бывшей жительницы подводного мира Атланны (Николь Кидман), который обладает невероятной силой, способностью дышать под водой и умеет мысленно общаться с водными обитателями. С такими талантами ему прямая дорога в супергерои. Кем он, собственно, и стал, спасая людей от пиратов или стихии. Но настал момент, когда он вынужден спуститься на дно морское и попытаться предотвратить назревающую войну морских жителей с обитателями суши. А сделать это не так-то просто, так как его брат, Король Орм в исполнении Патрика Уилсона, жаждет отомстить человечеству за все, что оно делает с его миром — за всех убитых животных и загрязненные воды. И для этого нужно создать альянс, в который вступят другие правители бескрайних водных просторов. И как только это случится, объединенные армии жителей морей будут готовы обрушить свой гнев на человечество. Но шанс остановить войну у героя есть: всего-то надо найти древний трезубец и показать распоясавшемуся брату, где раки зимуют. Так и начинается очень динамичный и красочный квест главного героя. Первое, что бросается в глаза после начала фильма — это просто потрясающие переходы между сценами. Фактически бесшовные перемещения не только по локациям, но и по временным периодам. С визуальной стороной все прекрасно. Работа дизайнеров здесь проделана титаническая. Все эти фантастически красивые локации, разные виды морских обитателей, монстры, народы глубин — каждый со своим уникальным внешним видом. Тут и футуристический стиль присутствует, и античность, и даже есть локация, напоминающая затерянный остров. Услада для глаз! А уж как двигается камера во время экшен-сцен — это просто загляденье. Большое количество длинных планов и сочных ракурсов сочетаются с креативным экшеном, доставляя максимальное удовольствие во время просмотра. Ван даже нашел место, куда вставить немного хоррора: получилась жутковатая сцена, достойная Говарда Лавкрафта. У картины фактически идеальный баланс. По ощущениям чуть ли не каждые 20 минут происходила какая-нибудь битва. При этом сюжет подавался очень органично и не было моментов, когда фильм провисал. Если на экране не сражаются, то можно наслаждаться легким юмором и красивым окружением. Черт, да даже такая простая по сути сцена, как создание костюма Черной Манты, выглядела потрясающе благодаря операторской работе, монтажу и саундтреку, который к слову, в картине довольно разнообразен. Тут и оркестровые композиции имеются, и электронные, и даже гитарному визгу место нашлось. Ко всем вышеперечисленным плюсам хочется добавить реализацию некоторых персонажей. По Артуру Карри все и так ясно — великолепное воплощение титульного героя, который в этой картине стал тем самым правителем вод, с чьей силой и властью теперь придется всем считаться. Но есть еще Мера, которую сыграла обворожительная Эмбер Херд. Она умудряется в одной сцене быть милой девушкой, переживающей за свой народ, а в другой предстает в виде фурии, убивающей соперников без особых сожалений. Это персонаж, который обладает впечатляющими способностями аквакинеза, и вполне заслуживает собственный сольный фильм. Матушка Аквамена в исполнении Николь Кидман и ментор Вулко, сыгранный Уильямом Дефо, просто качественно делают свою работу, но особого интереса не вызывают. А вот Черная Манта (Яхья Абдул-Матин II) за свое небольшое количество экранного времени должен заставить фанатов визжать от восторга. Во время шикарной битвы на Сицилии он продемонстрировал всевозможные способности своего костюма и доставил Аквамену больше всего проблем. Действительно крутой персонаж, живущий неутихающей ненавистью к Артуру. А вот кому крутости не хватило, так это Королю Орму. Он получился слишком типичым обиженным братом. Актер старался, но много выжать из этого персонажа не получилось. Финальная битва на фоне остальных экшен-сцен смотрится слишком просто и без надрыва, да Орм даже на фоне Короля Нерея выглядел не очень внушительно! Хотя, конечно, трудно выглядеть внушительно на фоне самого Дольфа Лундгрена… Единственным минусом фильма стал уже упомянутый избитый сюжет. Мы видели его в «Торе», «Черной пантере» и много где еще. Но иногда не стоит сильно придираться к обычности истории, когда все остальные составляющие на очень высоком уровне. При желании можно покритиковать излишний пафос в некоторых сценах, но это супергероика по комиксам. Как здесь обойтись без него? «Аквамен» — невероятно красивая и эпичная сказка с изобретательным экшеном, ярким умным стилем и харизматичными персонажами, за приключениями которых интересно следить все отведенное время. Источник: kanobu.ru
|
13 Декабря 2018 0
Рецензия на фильм «Бамблби» |
После того, как Майкл Бэй завел франшизу в непроходимое болото из неприятных персонажей, бредового сюжета и сражений CGI-шестеренок, от которых начинает болеть голова, казалось, что ждать ничего хорошего от этой франшизы в кино уже не имеет смысла. Но новый фильм, посвященный самому яркому из автоботов, оказался глотком свежего воздуха в этой загазованной вселенной.Раньше студия могла закрывать глаза на то, что отношение общественности к фильмам про трансформеров менялось в худшую сторону с каждой новой картиной, так как сборы все равно росли. Но пятая часть явно показала, что недовольные начали активно бойкотировать фильм. Она собрала почти вдвое меньше предыдущих и откровенно стала самой плохо собравшей частью «Трансформеров». Нужно было срочно что-то менять. И решено было сделать сольный фильм про желтого обаяшку Бамблби, неунывающего автобота с поврежденным голосовым модулем. Только действие его должно было происходить в конце 80-х. То есть первый сольник решили сделать приквелом. На роль режиссера взяли человека с минимальным опытом работы в кино по имени Трэвис Найт. В его послужном списке значится лишь анимационный фильм «Кубо. Легенда о самурае», который был очень тепло встречен зрителями и критиками, но в прокате оказался провальным. Удивительный выбор! Трэвис решил не изобретать велосипед, а просто снял все по шаблону. А помогла ему в этом сценарист Кристина Ходсон, явно пересмотревшая «Инопланетянина» и схожие по духу фильмы. Благодаря чему получилась насквозь вторичная, но милая история о том, как девочка-изгой, потерявшая отца, находит друга в лице нетипичного пришельца, выдающего себя за машину. И их дружбе, конечно, пытается помешать глупое правительство и прошлое Бамблби, которое решило его настигнуть в самый неподходящий момент. Одним из главных плюсов фильма стали простые, но обаятельные персонажи. Главная героиня по имени Чарли, сыгранная Хейли Стайнфилд, успевшей зарекомендовать себя в фильме братьев Коэн «Железная хватка», обладает сразу несколькими талантами — она отличный механик и бывший прыгун в воду. Ей чужды вредные привычки, она работает в каникулы и четко знает, чего хочет. В Чарли нет пафоса, героиню не разрывает от дебильных шуток, и она не совершает идиотских поступков, да и внешне приятная. В ней есть все, чтобы понравится зрителю. Ее отчужденность из-за переживаний по умершему отцу абсолютно понятна и ничуть не создает образа скучной замкнутой девушки. Она достаточно живая и разносторонняя — просто не хочет делиться этим со всеми, так как, возможно, боится расширять круг близких людей. Это и вызывает эмпатию. Чтобы не было сильного контраста с ее семьей, их тоже сделали вполне приятными людьми. Мать-трудоголик, которая с пониманием относится к личной жизни дочери, добрый отчим, знающий свое место и пытающийся быть скорее другом, нежели отцом для героини, а также забавный младший брат, занимающийся каратэ. Хотя с другой стороны у нас есть Джон Сина, которого по артистичности и харизме можно сравнить разве что с пнем в военной униформе. Если бы создатели об этом знали заранее, то могли бы немного сэкономить бюджет! Схожие претензии можно предъявить и к злодеям-десептиконам. Скучный дизайн, ноль харизмы, невпечатляющее вооружение. Они больше похожи на тех, кого должны убивать фоном во время сражений. Но это не главный недостаток фильма. Кстати, несмотря на то, что это самый дешевый фильм франшизы, графика в «Бамблби» выглядит отлично. Главной проблемой стало то, что приятными персонажами и неплохим саундтреком трудно компенсировать состоящий из сплошных штампов сценарий и редкий, невыразительный экшен. Нет ни одной битвы, которая была бы хоть чуть-чуть интересна либо по постановке, либо по съемке. Все относительно скромно. В этом, конечно, есть свой плюс. Хорошо, что сюда не стали пихать сорок три трансформера, да и камера не билась в эпилепсии. В этом плане создатели молодцы. Дозированость была неплохой идеей. Но хотелось бы, чтобы эти дозы давали более сильный эффект. А так после просмотра и вспомнить нечего из битв: щепотка эпика на Кибертроне в начале, еще немного битв гораздо скромнее уже на Земле… и все. Роботы стреляют, бросаются друг другом, но какой-то изюминки в этом нет. Зато фильм получился не затянутым. За что создателям отдельное спасибо. В итоге после просмотра понимаешь, что фильм скорее снят для самых маленьких зрителей, которые, возможно, предыдущих «Трансформеров» не видели. Тут даже юмор явно не подростковый. Есть несколько шуток, которые могут до них не дойти, но основная масса сработает, да и сработала, судя по детскому смеху в зале. А значит, создатели выбрали правильный курс, что подтверждает наличие только положительных рецензий на Rotten Tomatoes. «Бамблби» — это хорошее детское кино, на которое можно сводить ребенка или продемонстрировать его человеку, который никогда не видел «Трансформеров». Но тому, кто уже видел масштабный экшен в этой вселенной и фильмы, на которые старается походить сюжетом «Бамблби», кино рискует показаться проходным. Штампованный сценарий и средний уровень боевых сцен не компенсируются наличием душевных персонажей и приятной атмосферы. Источник: kanobu.ru
|
13 Декабря 2018 0