Обзоры фильмов
Рецензия на фильм «Правда» |
Еще пару лет назад японец Хирокадзу Корээда за пределами родины был известен по преимуществу в синефильских и фестивальных кругах. Тогда респектабельному режиссеру перевалило за 50, немногочисленные поклонники превозносили его лучшие работы («После жизни», «Никто не узнает») и критиковали за проходные фильмы. Полтора года назад все изменилось. Парадоксальные и трогательные «Магазинные воришки» стали мировым феноменом, получив «Золотую пальмовую ветвь» в Каннах и номинацию на «Оскар», вызвав скандал в Японии и став там кассовым хитом. Корээду стали называть классиком и самым влиятельным японским режиссером своего поколения. Поэтому вполне логично и то, что следующую картину он — впервые — снял вне родины, во Франции, с международным актерским составом; и то, что картину выбрали для почетной миссии: открывать Венецианский фестиваль. Сегодня Корээда — настоящая звезда. Для открытия, впрочем, требуются звезды более узнаваемые (сам Корээда шутит над этим в фильме: там фигурирует фестивальный режиссер, чье имя и лицо не может запомнить ни один из персонажей). В «Правде» заняты знаменитые французские актрисы нескольких поколений: Людивин Санье, Жюльет Бинош, Катрин Денев — и американец Итан Хоук. Причем Денев, как ни трудно в это поверить, сыграла одну из лучших, самых откровенных, неожиданных и сложных ролей за всю карьеру. Некоронованная королева европейского кино, как ее заокеанская сестра Мерил Стрип, чередует главные и эпизодические роли, легко меняя привычные амплуа и фактически не выходя за пределы образа холодной, величественной, но при этом необъяснимо естественной гранд-дамы. Денев в «Правде», поначалу продолжая ту же игру, постепенно выходит за ее пределы. Ее героиня, стареющая кинозвезда Фабьенн Данжевилль (сперва она кажется карикатурой на саму Денев, но это обманчивое впечатление), расширяет пространство борьбы за свое достоинство, жертвами которой падут все ее близкие. Впрочем, надо отдать должное и остальным: актеры Корээды безупречны, персонажи им под стать — нелинейные характеры разворачиваются медленно, никогда не ограничиваясь той ролевой моделью, которую мы им приписываем поначалу. Дочь Фабьенн, нервная Люмир (Бинош) — сценаристка по профессии — прибывает во Францию из Нью-Йорка вместе с мужем, пьющим сериальным актером Хэнком (Хоук), и дочерью Шарлоттой. Страдающая и подавленная Люмир со временем начинает обнаруживать все больше сходства с тираничной матерью, дураковатый на вид Хэнк оказывается безупречным отцом. И подобная трансформация случается с каждым, даже второстепенным, героем фильма. Название картины красноречиво: погружаясь в излюбленную семейную тематику, Корээда исследует ключевой для современности феномен «постправды», полностью избегая привычного нам политически-публицистического аспекта и вместо него выбирая семейный. «Правда» — название только что изданного мемуара-бестселлера Фабьенн. Прочитав его, дочь срывается и обвиняет мать в том, что ни слова правды в книге нет, а многолетний агент и ассистент Фабьенн (его в тексте даже не упомянули) увольняется одним днем, уходя на пенсию нянчить внуков. Меж тем Фабьенн предстоят сложные съемки. Научно-фантастический фильм под названием «Воспоминания о моей матери» — история о смертельно больной женщине, которая прячется от земной реальности в космосе и, обманув время, по сути, оказывается бессмертной. Пока ее дочь растет и превращается из девочки в подростка, потом во взрослую женщину и, наконец, в бабушку (ее-то и играет Фабьенн), вечно прекрасная и недоступная мать является, как богиня из машины, каждые семь лет, чтобы погладить ребенка по голове и снова исчезнуть. Очевидно, что в этом сюжете слишком много болезненного и личного буквально для всех действующих лиц. Еще и актриса, играющая мать, как две капли воды похожа на подругу юности и соперницу Фабьенн, возможно покончившую с собой. Пересказ интриги — это лишь малая ее часть — может произвести впечатление переусложненной мыльно-сериальной мелодрамы, но ничего подобного в фильме не ощущается. Его материя воздушна, иронична, ничуть не вычурна. Диалоги удивляют натуральной интонацией, тонкой игрой на перепадах эмоций: писал их японец, но «Правда» звучит как французское кино, без единой ноты фальши. Корээда выступает здесь и как философ, и как психолог. Его взгляд проницателен и честен, но он не пытается никого осудить — скорее уж скрепляет семью, как шаткую картонную конструкцию игрушечного театра (есть в «Правде» такой образ), клеем сострадания и юмора. Да, по мысли Брета Истона Эллиса, «все актеры — лжецы по природе». Но не они же одни? Люди вообще, утверждает Корээда, не способны быть честными ни с другими, ни с самими собой. Компенсировать дефицит правды можно лишь одним — теплом. Не то чтобы эта мысль была новой. Однако к оригинальности Корээда и не стремится. Невольно задаваясь вопросом «а где же японская идентичность автора?» («Правда» именно авторский, вовсе не продюсерский, проект — Корээда здесь и сценарист, и монтажер), видишь ее именно в этом. Да, от «Осенней сонаты» до «Все о моей матери» многочисленные режиссеры исследовали схожие темы, но прелесть в нюансах, в тихих улыбках режиссера и его персонажей, прекрасно осознающих: не они первые, не они последние рассказывают нам эту — вечную — историю. Люди будут лгать друг другу, подавлять друг друга, будут беспощадны и злы даже к самым близким, но потом будут прощать друг друга, любить, плакать. Как раз в этом постоянстве есть что-то глубоко японское — как в первом и последнем кадре «Правды», где сочетание зеленых и желтых осенних листьев с голыми ветвями моментально вызывает в памяти пейзажи какого-нибудь Киото, пусть снимался фильм и под Парижем. Циклы природы повторяются, но всегда чуть-чуть иначе. То же самое касается человеческих отношений. В конечном счете «Правда» — фильм не японский и не французский, а универсальный. Подтверждает это и русское участие, заметное не сразу, но исключительно важное: музыку написал и исполнил Алексей Айги. Стилизованные под безмятежную классику идиллически-игривые мотивы оттеняют и прячут будничные драмы персонажей, помогая зрителю, хотя бы на мгновение, поверить в написанные сценаристом реплики и увидеть за знаменитым актером слабого и привлекательного именно своей слабостью человека. Источник: meduza.io
|
06 Февраля 2020 0
Рецензия на фильм «Мальчик русский» |
Деревенский паренек Алешка, тот самый «мальчик русский», ослеп в первый же день войны, во время химической атаки. Он не видит, а потому главным чувством для него становится слух. Отныне он «слухач» — сидит в специальном шлеме под огромной железной трубой, направленной в небо, и ждет появления аэроплана, о котором надо будет предупредить сослуживцев. Слух должен стать главным чувством и для зрителя «Мальчика русского», полнометражного дебюта ученика Сокурова Александра Золотухина, показанного в «Форуме», — программе Берлинале, которая ориентирована на молодых кинематографистов. Ведь здесь, по сути, два фильма в одном. На экране они перемежаются, но их звуковые дорожки причудливо переплетаются, никогда не отлепляясь друг от друга окончательно и звуча комментариями друг к другу. «Главный» фильм — сентиментальная и причудливая новелла о Первой мировой и солдате-простаке, который «торопится немцев пострелять», картавом голубоглазом ангеле с обезоруживающей улыбкой. Эта часть местами даже больше похожа на картины Сокурова, чем то, что порой делает сам Александр Николаевич: приглушенные цвета, чуть размытое или неожиданно замедленное изображение (прекрасная работа оператора Айрата Ямилова), одновременное ощущение сновидения и исторической аутентичности. «Вспомогательный» параллельный фильм — документально снятая и записанная репетиция оркестра «Таврический» под управлением дирижера Михаила Голикова, который готовится исполнить Третий концерт для фортепиано и «Симфонические танцы» Рахманинова. «Фагот, с пятого такта!» — звучит за кадром, и под одинокую мелодию ослепший солдат беспомощно ощупывает воздух руками. «У меня просьба к солисту: не должно быть практически сильных нот, акцентов», — деловито говорит дирижер, и мы тут же понимаем, что так режиссер обращается к своему герою Алешке и исполнителю главной роли, в самом деле впечатляющему Владимиру Королеву. «Постарайтесь форте помощнее, особенно медные», — и под гром фанфар в идиллическое экранное пространство (солдаты курят, стирают, парятся в баньке) вторгается война: взрывы, стоны, смерть. Надо сказать, что документальные реплики музыкантов звучат естественнее и уместнее, чем диалоги солдат и офицеров, которые тоже кажутся своеобразной репетицией сценария. Но сильная сторона «Мальчика русского» — визуальная. И концептуальная, конечно, тоже. Рахманинов с его романтической экзальтацией идеально передает не только атмосферу рубежа веков (а ХХ век, как принято считать, по-настоящему начался именно с Первой мировой), но и трагическую арку — от предощущения всемирной катастрофы в Третьем концерте для фортепиано (1909 год) до ее страшной репризы, с «форте помощнее», в написанных во время Второй Мировой «Симфонических танцах» (1940-й). «Империалистическая» война, которую в Европе называют великой, для России до сих пор событие будто второстепенное, теневое, заслоненное бурями революции и войны гражданской. А ведь отсчет невинных жертв начался в 1914 году, напоминает Золотухин. Его картина, неожиданным образом рифмующаяся, даже с точки зрения палитры, с недавней реконструкцией Питера Джексона «Они никогда не станут старше», — гуманистический реквием по простым людям, сложившим головы ни за что. Недаром никто из них не показан на экране убийцей — все кажутся жертвами обстоятельств, приходящего из ниоткуда (с неба, как вражеские аэропланы) стихийного бедствия. К финалу мы увидим в строю немцев точно такого же Алешку, который возьмет нашего растерянного героя в плен — прямо в церкви. Некоторая самоочевидность каждого сюжетного поворота выводит зрителя в пространство чуть ли не сказки, притчи. Безусловно, для дебюта это грех простительный. Как и желание автора во всем ориентироваться на учителя. Фонд поддержки кинематографа, основанный Сокуровым, называется «Пример интонации». По предыдущим дебютным картинам выпускников его мастерской («Софичка» Киры Коваленко, «Теснота» Кантемира Балагова, «Глубокие реки» Владимира Битокова) казалось, что молодые режиссеры переняли у учителя именно это стремление к своей собственной, независимой, ни на кого не похожей интонации. У «Мальчика русского» интонация именно сокуровская. Зато можно вздохнуть с облегчением и констатировать, что у одного из лучших российских режиссеров теперь есть не только ученики, но и достойные последователи. Источник: meduza.io
|
06 Февраля 2020 0
Рецензия на фильм «Игры с огнём» |
Капитан Джейк Карсон воспитывался отцом-пожарным и ничего кроме преданности ремеслу не знает. Свидания проваливает, благодарность от людей принимает со вскинутой от удивления бровью, призывает своих подопечных к дисциплине. Когда половина команды перебирается в большую лигу (часть Санта-Барбары), в его распоряжении остаются Родриго, пилот, который панически боится летать, Марк, неунывающий помощник капитана, и молчаливый, хмурый двухметровый бородач по кличке Топор. Новый вызов не заставляет себя ждать: из пламени в загоревшемся коттедже Джейк спасает троих детей. Это попадает в новости, и на Джейка обращает внимание пожилой командор из Санта-Барбары, находящийся в поиске замены себе. Совсем скоро он приедет в часть с проверкой, но как сохранить порядок, если спасенные дети вынуждены остаться с пожарными на ближайшие пару дней и им не сидится на месте?«Игры с огнем» — важная ступенька в карьере Джона Сины, который, судя по ближайшим проектам, планирует достичь славы Скалы за пару-тройку лет. Впереди новый образ брата Доминика Торетто в «Форсаже», и самое время показать себя студиям с самых разных сторон. У него уже появилась своя маска: если Дуэйн Джонсон всегда был невозмутимым лидером, даже в самых нелепых ситуациях, будучи в балетной пачке или с крыльями феи, то Сина более беспощаден к своему имиджу — он может быть откровенно глупым, но все равно обаятельным фанатиком своего правого дела. Еще в спродюсированной Джаддом Апатоу комедии «Секса не будет» он осваивался в этой роли, подстраиваясь под одну абсурдную ситуацию за другой. «Игры» держатся на обаянии титульной команды пожарных. Что Джон Легуизамо, невозмутимо повторяющий исковерканные цитаты, что пластичный и гримасничающий Кигэн-Майкл Ки крадут сцены, в которых солируют. Другой бывший рестлер Тайлер Мэйн, как и Джон Сина, замыкает этот праздник броманса — он увлеченно участвует в девичьем чаепитии и всячески потакает появившейся в части пятилетней малышке. Но у ветерана диснеевских и околодиснеевских семейных комедий Энди Фикмена («Снова ты», «Она — мужчина», «План игры», «Ведьмина гора») нет материала, достойного своего титульного ансамбля. Другой семейный проект студии Paramount — «Семья по-быстрому» выигрывал в том числе благодаря органичным детям-актерам. Но в «Играх с огнем» написанные на них геги отчаянно неудачны. Сюжетом движет повторенная дважды схема побега несовершеннолетнего трио из-под присмотра сборища пожарных, но это очевидные неудачные попытки избавиться от драматургического застоя, когда динамика окончательно начинает буксовать на месте. При идеалистическом соотношении взрослые воспитывают детей и наоборот. «Игры» разваливаются на части, стоит героям переместиться из своей части; даже педалирование темы огня, пожаров и прочих свойственных этой профессии атрибутов не настолько фатально, насколько выбивается из ритма фильма любая подобная вылазка. На удачную шутку приходятся две неудачные, и между этими придумками Фикмен забывает придерживаться баланса в экранной условности, отчего отчаянное комикование резко обрывается серьезным и нравоучительным посылом. «Игры» — по-своему исчезающая из репертуара кинотеатра жанровая история. Подобные концепции давно перекочевали на стриминги, и в этом смысле его просмотр становится ностальгическим путешествием в те времена, когда на больших экранах такие семейные комедии появлялись с регулярностью раз в один-два месяца. Но для семейного просмотра хватит и оптимизма фильма, и появляющейся то и дело в кадре собаки, которая наводит страх на всех, кроме маленькой пятилетней девочки, и харизмы Джона Сины. Источник: kinoafisha.info
|
06 Февраля 2020 0
Рецензия на фильм «1917» |
 Апрель 1917 года. Молодых солдат британской армии Скофилда и Блейка вызывают к высшему руководству. Им предстоит опасное и практически невыполнимое задание: передать в батальон, устремившийся в погоню за врагом, срочное послание. Если они опоздают, 1600 человек попадут в засаду. И среди них старший брат Блейка.О всевозможных войнах сейчас снимают часто, соревнуясь в бюджетах, спецэффектах и массовых сражениях. Подтянулся даже российский кинематограф со всевозможными историями о танках. Но неслучайно именно «1917» Сэма Мендеса получает десяток номинаций на «Оскар», да и вообще оказывается одним из самых обласканных как критиками, так и зрителями фильмов. Без преувеличений, это самая сильная картина последних лет, посвящённая человеческой храбрости во время войны, да ещё и рассказанная невероятным киноязыком. Историю, которая легла в основу сценария, поведал режиссёру его дед, тоже сражавшийся на Первой мировой войне. И поэтому в центре сюжета не какие-то крутые герои, укладывающие десятки врагов одной рукой, а пара простых парней. Они боятся, злятся и ошибаются. Это очень личное и живое кино, лишь отдающее дань памяти тем, кто сражался на войне уже вековой давности. Режиссёр осознанно делает ставку на будничность происходящего. Один из персонажей и вовсе говорит, что пошёл в армию лишь ради нормального питания. Ни о каком героизме речи не идёт, и главной движущей силой становится желание спасти близкого человека. А чтобы ещё больше подчеркнуть реалистичность этой войны, Мендес пошёл на одно из самых смелых и сложных решений в современном кино. Большая часть фильма снята якобы одним непрерывным кадром. Разумеется, монтаж в картине есть, но, как когда-то в «Бёрдмэне», он аккуратно спрятан в переходах через тёмные элементы. Вот только «1917» в этом плане значительно сложнее оскароносного предшественника. В «Бёрдмэне» герои чаще бывали в помещениях и одних и тех же локациях. А в картине Мендеса всё действие — путь. И такой подход лучше всего отображает длительность и напряжённость путешествия. Камера неустанно следует за персонажами, и остаётся только удивляться мастерству легендарного оператора Роджера Дикинса и слаженной работе всей команды. В итоге практически половину фильма герои просто идут. Но как раз неспешный темп вкупе с нагнетающим атмосферу саундтреком заставляет ожидать беды. И действительно, с каждой минутой события становятся всё мрачнее. А единственная совсем уж явная склейка будто разделяет две части картины. С середины темп начинает нарастать, сопровождаясь уже грохочущей музыкой и масштабными сценами. Меняется и цветовая гамма, уходя то в холодный синий, то в жаркие всполохи пожаров, причём Мендес максимально старается использовать живое естественное освещение, чтобы ни одна деталь не могла заставить зрителя усомниться в реалистичности ситуации. Всё это буквально вдавливает в кресло, заставляя ощутить течение времени, ведь оно и оказывается главным злодеем этого фильма. И никакой бешеный клиповый монтаж и компьютерная графика не смогли бы заставить так чётко чувствовать каждую потраченную зря секунду, как делают это долгие статичные планы, когда камера ждёт главного героя. Интересно и то, что Мендес, явно осознавая нагрузку, которая ляжет на исполнителей главных ролей, решился взять в картину не слишком известных зрителям актёров. В центр разумно поставили Джорджа Маккея, сыгравшего Скофилда. Любители кино и сериалов хотя бы помнят его по второстепенным ролям в «11.22.63» и «Капитане Фантастике». А вот его напарник Дин-Чарльз Чэпмен может похвастать лишь появлением в «Игре престолов». Но именно эта пара делает картину настолько живой и привлекательной. Актёры ещё не приелись публике, а потому от них не ждут устоявшихся образов. Весь же заявленный в рекламе звёздный состав фигурирует лишь в небольших эпизодах, помогая фильму выглядеть внушительней и не сбавлять темп в самых эмоциональных моментах. Разумеется, «1917» — не первый фильм с подобным подходом. В чём-то он явно наследует идеологию «Дюнкерка» Кристофера Нолана, тоже показавшего простые человеческие истории в реалиях войны. Но Мендес сумел добиться большей выразительности, ещё более сузив фокус и показав пару простых людей и всего несколько часов из многолетней войны. Такая человечность вместе с мастерством съёмочной группы и создала на выходе невероятно объёмную и вместе с тем трогательную историю, которая будет близка абсолютно каждому зрителю независимо от страны проживания и языка. Источник: kinoafisha.info
|
31 Января 2020 0
Рецензия на фильм «Маленькие женщины» |
 Роман Луизы Мэй Олкотт, по которому поставлен фильм, пережил множество экранизаций. Фактически у каждого нового поколения американцев были свои «Маленькие женщины». Роли главных героинь исполняли лучшие актрисы Голливуда. Сестрами Марч в разные годы были Кэтрин Хэпберн, Джоан Беннетт, Элизабет Тейлор, Джанет Ли, Вайнона Райдер, Кирстен Данст, Клэр Дэйнс — и это далеко не полный список. В России из произведений на тему «Женщины и Гражданская война в США» известны только «Унесенные ветром», но герои Маргарет Митчелл представляют другую сторону конфликта. Мятежная Скарлетт О'Хара была южанкой. Примерные сестры Марч — северянки.Однако если говорить о кино, то главное различие между ними состоит в другом. Чем чаще книгу переносят на экран, тем сложнее укладывать ее в сценарий. Это ведь даже не театральная пьеса — тут действие намертво привязано к реалиям, традициям и этике определенной эпохи. Учитывая все эти обстоятельства, можно сказать, что постановщица новых «Маленьких женщин» Грета Гервиг сотворила настоящее чудо. Она взяла книгу, в которой англоязычной аудитории известна каждая строчка, распотрошила в ней все листы и склеила их заново — да так, что из героинь вдруг разом выветрился весь нафталин. Несмотря на костюмы и декорации, «Маленькие женщины» меньше всего похожи на историю из XIX века. Это фильм-винтаж: он старомоден по происхождению, но невероятно актуален по содержанию и фактуре. Сестры Мег (Эмма Уотсон), Джо (Сирша Ронан), Бет (Элайза Сканлен) и Эми (Флоренс Пью) живут с матерью в небольшом доме в Массачусетсе и ждут возвращения отца с войны. Денег у семьи немного, но на девичьи увлечения их хватает. У каждой из сестер — свой талант. Мег мечтает стать актрисой, Джо — писательницей. Эми рисует, Бет играет на фортепиано. Однако в будущем творчеством сможет заняться только одна из них. Джо, самая деятельная и непокорная из четырех девушек, опишет свое взросление в романе, который станет бестселлером. В предыдущих экранизациях события из книги шли в прямом хронологическом порядке: сестры росли на глазах у зрителей. Но Грета Гервиг перемешивает временные пласты. Действие постоянно скачет из прошлого в настоящее. Героини при этом не меняются, их играют одни и те же актрисы. Это тоже важное отличие от прошлых версий — там на роли сестер Марч в детстве и юности довольно часто (хоть и не всегда) брали разных исполнительниц. Уничтожая прямую хронологию, Гервиг убирает из повествования и традиционную мораль, которая предписывает человеку набираться ума и опыта по мере взросления. Становясь старше, сестры, конечно, многое переосмысливают, но эти процессы всегда остаются на заднем плане, а на первый в каждой конкретной сцене выходит освобожденная от тяжести времени энергия юношеского или, точнее, девичьего максимализма. Тут с равной остротой проживаются и неудача с платьем, и остриженные волосы, и безответная любовь, и смерть. Ни один из этих моментов не лишний — чистая эмоция для Гервиг важнее обстоятельств. Мужчины в фильме тоже есть, но занимают совсем мало места. Всего пару раз в кадре мелькает отец девочек (Боб Оденкерк). Убедительным, но все равно тонким пунктиром намечена линия отношений богатого старика-соседа (Крис Купер) и Бет Марч. Ухажер Мег (Джеймс Нортон) едва успевает появиться на экране, как почти тут же ведет свою возлюбленную под венец. То же относится к немецкому учителю в исполнении Луи Гарреля — пожалуй, никогда еще красота и харизма французских актеров не расходовались в кино настолько нерационально. И даже влюбленный в Джо юный сосед (Тимоти Шаламе) — персонаж не менее важный, чем сестры, — чисто визуально выглядит им ровней, не заслоняет их широкими плечами: он такой же маленький мужчина, как они — маленькие женщины. Самые яркие эпизоды фильма и самые запоминающиеся реплики принадлежат Джо — девушке, которая бунтует против судьбы, уготованной ей эпохой. Она не считает, что смысл жизни женщины заключен в любви и браке, она амбициозна и не стесняется своих желаний. Джо — та самая точка, в которой Гервиг смыкает прошлое с современностью. И дело тут не в том, что героиня из XIX века излагает феминистские идеи. Ровно так оно было и в оригинальном романе, это не нововведение сценария. Удача фильма и мастерство его создательницы в том, как бесшовно личное соединено с политическим, а индивидуальное — с универсальным. Джо — это одновременно и Луиза Мэй Олкотт, написавшая роман, и Грета Гервиг, поставившая фильм (она сама могла бы сыграть эту роль, если бы была чуть младше), и вообще любая женщина, у которой есть творческая мечта. Сирша Ронан в кадре двигается так, будто у ее героини за спиной крылья, она почти порхает — как тут не вспомнить, что в дебютной картине Гервиг она играла похожую по темпераменту девочку из 90-х по имени Lady Bird. Эта невероятная свобода, которая буквально сочится с экрана, эта легкость, эта теплота, которая дополнительно скрепляет разнесенные по времени эпизоды, не давая действию распасться, — все это вырывает «Маленьких женщин» из сугубо исторического и литературного контекста, делает их фильмом, равно принадлежащим и прошлому, и настоящему. В первую очередь его, конечно, стоит посмотреть тем, кто как раз сейчас находится в возрасте главных героинь. Но и любая другая цифра преградой не будет: перефразируя одного известного «большого мужчину», картина пусть и порхает как бабочка, но жалит точно как пчела. Источник: kinoafisha.info
|
31 Января 2020 0
Рецензия на фильм «Вальгалла: Рагнарёк» |
Американские кинокомиксы Marvel про Тора и компанию сделали некоторым любителям скандинавской мифологии больно. Скандинавский кинокомикс про Тора и компанию рискует сделать им ещё больнее.Да, хоть так сразу и не скажешь, в основе «Вальгаллы: Рагнарёка» лежит именно комикс — стартовавший больше 40 лет назад, в 1979-м. Казалось бы, кому как не скандинавам ловко обращаться с собственным культурным наследием? Но увы, тут они отстающие. Одновременно пытающиеся догнать конкурентов и идти своим путём. В марвеловских комиксах Тор появился в 1962-м, в первой экранизации (мультсериале The Marvel Super Heroes) — в 1966-м. Первая экранизация датского комикса тоже оказалась анимационной — полнометражным мультфильмом «Вальгалла» 1986-го. Он был дорогим и амбициозным, стал знаковым для скандинавских подростков — но не сумел окупиться в прокате. И вот спустя десятки лет амбициозность (или желание урвать свой кусок пирога) вновь подняла голову. «Вальгалла: Рагнарёк» — ремейк того самого мультфильма, только более мрачный, масштабный и трендовый. В теории. На практике это неуклюжий монстр Франкенштейна, запутывающийся в собственных ногах, глупо машущий зачем-то пришитой третьей рукой и на редкость скудный в своей «масштабности». Комиксы и мультфильм рассказали на свой лад миф «Путешествие Тора в Утгард». Фильм эпичности ради добавил в сюжет миф о Рагнарёке и с потолка взятое Великое пророчество об Избранном — ход настолько замшелый, что по нему можно определять, в какой стороне север. Добрать актуальности фильм попытался за счёт сильных женщин: если раньше из двух человеческих детей больше выделялся мальчик Тьяви, то теперь сияет его сестра Рёсква, да и остальные героини бьют персонажей-мужчин одной левой. При этом плохо не само наличие сильных героинь, а то, как дуболомно они выписаны. Та же Рёсква — типичная «нитакая», которая шпарит по чек-листу попаданки: тяготится обыденной жизнью, без спроса влезает в приключение, командует другими и подставляет их под удар, открывает в себе поразительный талант (сложить несколько камней стопочкой не каждому под силу, о да!), собирает гарем и изо всех сил сияет белым плащом (пусть самом деле он у неё синий, но суть та же). Её брат — персонаж-мебель, которого жизнь ничему не учит; премию Дарвина Тьяви и Рёсква не получают лишь потому, что в их время ещё не изобрели ни премию, ни Дарвина. Ну ладно, бедняцкие дети, что с них взять. А как там с могучими и многомудрыми богами? Локи — мелкий пакостник; его уровень — шкодство на уровне третьеклассника, бросающего капитошек с балкона и ворующего яблоки из соседского двора. Локи даже на перебранку не способен — вместо него с богами ругается Тор. Который, кстати, на общем неказистом фоне выглядит ещё более-менее; хотя если не делать скидок на фон, то местный громовержец — довольно-таки заурядный дяденька с седеющей шевелюрой и трудным характером. Так что на юных героев обрушиваются тяготы торовщины — местного аналога дедовщины. Ну а Один вообще ведёт себя так, словно отдал Мимиру не один свой глаз, а оба — и мозг в придачу, так что испить из источника мудрости уже не догадался, а вместо этого побрёл морально разлагаться в Чертогах богов. Сами Чертоги богов — этакая вписка помятых и бухающих занавесочников. Дом Тора — жалкая комнатушка, где герои спят едва ли не впритык друг к другу, и это вместо мультфильмовых 540 комнат. Утгард населён косплеерами орков, которых лучше бы продолжили звать ётунами, а не превратили магией локализации в великанов: ростом эти «великаны» лишь чуть выше человеческого мальчишки Тьяви. Главный спецэффект, проходящий под именем Фенрир, гармонирует со всем остальным: он отчаянно устаревший. Словом, это отнюдь не красочные и по-хорошему старомодные похождения Эспена из норвежской киносерии по мотивам норвежских же сказок. Налицо та же разница, что между атмосферным винтажем и запылённым барахлом. Единственный персонаж, безоговорочно вызывающий симпатию, — немой ётун Кварк. Который только и делает, что помогает героям — в награду получая то презрение, то прямой приказ убираться прочь. Да, Тьяви и Рёсква — очень милые дети. Ту же Рёскву так и тянет сравнить с Тихиро из «Унесённых призраками» — на контрасте: Тихиро согласилась на тяжёлую работу служанкой у ведьмы ради шанса спасти родителей, а Рёсква — наоборот, сбежала от стареющих родителей, оставив их без помощи, и напросилась к богам. Единственное утешение для зрителей — ироничность того, каким для Рёсквы оказался обмен одних обязанностей на другие. Также могут слегка подсластить пилюлю красивые пейзажи и классические сказочные ходы вроде оживления мёртвого или комбинации магического запрета и нарушения оного. Да и освежить в памяти мифы приятно. Однако куда заметнее неприятные герои, колченогий сюжет, тотальная бюджетность при заявленной эпичности, скучная постановка. Попытка потягаться с заокеанской Вандербильдихой не удалась. Источник: kg-portal.ru
|
31 Января 2020 0