Обзоры фильмов
Рецензия на фильм «Работа без авторства» |
Немецкий кинематограф во второй половине XX века прошел путь от отрицания истории Германии до почти маниакальной одержимости ею. Немцы научились снимать о мировых войнах и послевоенных трагедиях большие, красочные и пафосные фильмы. Но даже на этом фоне картина Флориана Хенкеля фон Доннерсмарка «Работа без авторства» выглядит проектом мегаломанским. Режиссер берется сразу за три объемные темы и фактически проводит своих героев через три страны. Действие начинается в нацистской Германии, продолжается в ГДР и завершается в ФРГ. Хронометраж соответствующий: фильм идет больше трех часов. Молодой художник Курт Барнерт (Том Шиллинг) в детстве ходил вместе с любимой тетей (Саския Розендаль) на выставку «дегенеративного искусства», где авангардистскую живопись клеймили как вырожденческую. Тетя тогда тихо призналась мальчику, что ей такое искусство нравится. А потом она исчезла: у нее диагностировали шизофрению, стерилизовали, чтобы не портила арийскую расу, и отправили туда, откуда не возвращаются. Взрослый Курт учится рисовать уже в ГДР, но социалистический подход к искусству не слишком отличается от нацистского. Личность художника снова отодвигается на второй план, а на первый выходит идея. Курт страдает, но терпит. Необходимость рисовать рабочих и колхозниц скрашивают отношения с красивой однокурсницей Элли (Паула Бер), дочерью гинеколога (Себастьян Кох), который когда-то обрек на гибель тетю Барнерта. Впрочем, об этом герой не догадывается – он был слишком мал, чтобы что-то запомнить. Сценарий заимствует многие детали из биографии немецкого художника Герхарда Рихтера, одного из самых дорогих мастеров современности. Тот тоже родился в Дрездене и позже уехал на Запад, а мировую известность получил после того, как начал создавать слегка размытые картины, срисованные с любительских фотографий. Полотна балансировали на грани гиперреализма и абстракции, не являясь ни тем, ни другим. Образ оказывался оторванным от изображения, содержание – от формы. В фильме этот метод изобретает Барнерт. Самому художнику, который на этапе сценария встречался с режиссером и даже водил его по любимым дрезденским местам, результат не понравился. В начале года Рихтер объявил, что картина «сильно искажает» его жизненный путь. Однако, справедливости ради, фон Доннерсмарк никогда и не говорил, что экранизирует конкретную биографию. У него были совсем другие задачи. «Работа без авторства» - всего лишь третий фильм режиссера. Его дебютом стала получившая «Оскар» «Жизнь других», штази-драма о совестливом агенте Министерства госбезопасности ГДР, которого перевоспитывает соприкосновение с большим искусством. После такого успеха фон Доннерсмарк отправился из Германии в Голливуд, где поставил провального «Туриста» с Джонни Деппом и Анджелиной Джоли. Творческая неудача заставила постановщика замолчать почти на восемь лет, и в итоге он вернулся к тому, с чего начинал: к панораме германской истории XX века. Все проблемы, замеченные наблюдательными критиками еще в «Жизни других», в новой картине фон Доннерсмарка встают в полный рост. Режиссер может сколько угодно издеваться над соцреализмом, но его собственная приверженность идейной монументальности будет очевидна даже слепому. «Работа без авторства» - творение человека, для которого тема важнее героев. Многие приемы и сюжетные ходы здесь бессовестно манипулятивны. Полноту жизни символизирует спелое ржаное поле, нацистскую эйфорию – толпа восторженных девиц, вскидывающих руки с криками «Хайль!» Бомбардировка Дрездена проходит под барочный «Dixit Dominus» Генделя (ну а под что же еще, правда? Если высокие голоса не будут надрываться на заднем плане, то зритель и не поймет, что город гибнет). Женские образы сексуализированы сверх меры: режиссер постоянно заставляет своих прекрасных актрис раздеваться без всякой сюжетной необходимости (мужская обнаженная натура тоже есть, но ее ощутимо меньше). Эпизод с газовой камерой сделан настолько бездарно, что больше всего напоминает «Освенцим» Уве Болла, худшего немецкого постановщика всех времен: тот как-то снял себя в роли охранника концлагеря, который стоит у входа в «душевую» и с совершенно невозмутимым видом слушает, как с другой стороны в наглухо закрытую дверь колотят десятки рук. Фон Доннерсмарк явно воображает себя Спилбергом, вот только уровень его таланта совсем не соответствует этой амбициозной фантазии. Немецкий постановщик собирает свое кино из тиражированных образов и готовых клише, он даже героя не смог придумать с нуля – ему понадобился уже существующий Рихтер. Кропотливость и усердие, с которыми проделана эта работа, конечно, производят впечатление, да и катастрофы XX века не растеряли своей устрашающей силы – отсюда две номинации на «Оскар» (за лучший иностранный фильм и лучшую операторскую работу; Калеб Дешанель, снимавший «Страсти Христовы», знает толк в эстетизации человеческих страданий). Если бы фон Доннерсмарк действительно был выдающимся автором, он бы понимал, что эпоха фильмов, в которых судьбы героев намертво сомкнуты с ходом большой истории, ушла. Даже Спилберг теперь снимает немного другое кино. Интересные процессы прямо сейчас идут и в родном для режиссера немецком кинематографе: его соотечественники переосмысляют каноны штази-драмы и «остальгических» картин о ГДР, уходят от однозначного деления персонажей на плохих и хороших, усложняют сюжеты и ищут новые выразительные средства. В этом смысле «Работа без авторства» оказывается вещью из бабушкиного сундука: вроде и красивая, а девать уже некуда. Своего героя фон Доннерсмарк смог вывести к свободе и свету, но сам он, похоже, окончательно застрял в лабиринте прошедшего времени – там, где все еще стоит Берлинская стена и где в новаторах числится Йозеф Бойс. Источник: kinoafisha.info
|
05 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Жара» |
Каждый год в Баку проводится эстрадный фестиваль «Жара», на котором выступают как трилобиты русской сцены вроде Киркорова и Агутина, так и новые актуальные «фрешмены». В число таких новичков и входит Даша Стеклова (Диана Пожарская), победительница шоу «Голос». Среди Лепса, Баскова и Тимати она чуть ли не хедлайнер, её исполнения хита «Каждой клеточкой» ждут все. Но у Даши тяжело на душе. Она не хочет петь ту попсу, которую ей навязывает продюсер и по совместительству бойфренд Артём (Сергей Чирков). Даша хочет писать свою попсу, подушещипательнее и поунылее, на что Артём лишь ведёт слишком ухоженной бровью и напоминает Даше о контрактных обязательствах. Расстроенная Даша решается на опрометчивый шаг – бежать. Они с её другом, блогером Анотоном Лапенко (as Himself), встречаются в Баку с обаятельными ребятами Фаридом (Наиль Абдрахманов) и Рамином (Магомед Муртазалиев). Фарид вовсю готовится к свадьбе, но Рамин уговаривает его сделать гостям из Москвы небольшую экскурсию.Что такое «Жара»? «Жара» – это не только фильм. Перед его премьерой крутятся рекламы радио «Жара», напитка «Жара», фестиваля «Жара». Кино является лишь кирпичиком в здании медиахолдинга, основанного Эмином Агаларовым и его отцом. Фактически фильм является рекламной виньеткой продукции холдинга, и это не только минус. «Жаре» можно было бы прибавить подзаголовок «Баку, я люблю тебя», ведь в фильме столица Азербайджана выглядит как лучший город на Земле – колоритный, но с европейской организацией, красивый и самобытный (для большей верности это ещё и проговорят в кадр – это единственный перегиб). Создателям кино удалость не уйти ни в восточно-аляповатую крайность, ни в голливудско-глянцевую. В момент радикального обрыва туристической связи России и Грузии «Жара» выглядит попыткой перенаправить потоки отдыхающих чуть-чуть на юго-восток. Что же касается содержательной части, то «Жара» – крайне милое кино, максимально обходящее любые драматические углы. История Даши не выглядит безысходной, как и попытки Фарида (Наиль Абдрахманов) всё-таки жениться на своей девушке, несмотря на запреты и препоны со стороны её родителей и судьбы. Фильм не пытается быть напряжённым, наоборот – он лёгкий и простой. Все герои в итоге оказываются добрыми или по крайней мере не оказываются сволочами. Особенно добрыми оказываются эстрадные звёзды: они, подобно богам в «Иллиаде», поддерживают своих любимцев – простых людей, с тем только отличием, что у Гомера боги делили предпочтения на две стороны, а здесь небожители любят всех. Самым добрым из олимпийцев является продюсер фильма Эмин Агаларов, он и советом поможет, и деньгами проблему решит, и Киркорова с Лепсом отправит за тебя свататься. В какой-то степени «Жара» воскрешает веру в человечество, особенно в лучших его представителей, таких как Эмин Агаларов. В фильме много музыки, с той лишь оговоркой, что хиты Киркорова, Лободы или «Время и стекло» и так льются из каждого чайника, но если вы одобряете нынешнюю радиоротацию, то всё в порядке. «Жара» – это хорошо снятая, очень лёгкая и непритязательная комедия с вполне прощупываемой целевой аудиторией. Если в вашей картине мира присутствует фестиваль «Жара» и вы чисто теоретически там бы побывали, то поход на «Жару» в кино можно считать прелюдией к будущей поездке. Источник: kinoafisha.info
|
05 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Дефолт» |
На дворе девяносто седьмой год. Корейская экономика на подъёме… вернее, так думают власти. Тревожные звоночки звучат то тут, то там, пока наконец на стол главе Центробанка не ложится отчёт его подчинённой, госпожи Хан (Ким Хе-су), в котором говорится, что до полного банкротства Южной Кореи осталась неделя. Кажется, что крах неизбежен… или надежда всё-таки есть?Подобные эпические сюжеты раскрываются, обычно, через полифонию образов, и Чхве Гук-Хи не стал отступать от выигрышной схемы: в центре внимания не только политики и финансисты, но и простые люди, выхваченные из разных слоёв общества: молодой амбициозный аналитик Юн (Ю А-Ин), пытающийся нажиться на кризисе, простой работяга, хозяин небольшой фабрики Гап-су (Хо Джун-хо), желающий удержать себя и своих ребят на плаву, и целая россыпь второстепенных, но от этого не менее объёмных персонажей. С подобными историями авторам всегда легко закопаться в матчасть и вложить в уста героев слишком длинные простыни специфических терминов, однако здесь «Дефолт» выигрывает: ситуация проговаривается, но почти всегда лаконично, ёмко и с искренними эмоциями. Пожалуй, в чем-то похожего эффекта добился Крэйг Мазин в нашумевшем «Чернобыле», разложив проблему по полочкам так, что даже объяснение принципов работы реактора звучало захватывающе. Напрашивается на сравнение с «Чернобылем» и цветовая гамма: безрадостные дни действительно выглядят серыми, сумеречными, все яркие цвета приглушены, будто даже в природе настроение траурное. Ощущение катастрофы постоянно нарастает, затягивая героев в яму, из которой как будто нет выхода. br /> «День национального банкротства» — та кризисная ситуация, которая ярко высвечивает в людях лучшее и худшее: верность стране и рвачество, готовность принимать ответственность и желание от ответственности увильнуть, стремление бороться и упадок сил. Не удивительно, что на родине этот фильм стал хитом: Чхве Гук-Хи подходит к проблеме серьёзно и бережно, с искренним чувством, понимая и переосмысляя боль и позор, с которыми пришлось столкнуться его соотечественникам. Наверняка, свидетели тех событий могли бы упрекнуть постановщика в романтизации или излишнем упрощении ситуации, или в чём там обычно любят упрекать тех, кто взваливает на себя такой тяжёлый и неблагодарный труд художественного осмысления недавней истории? Однако в кои-то веки придираться не хочется — хочется погрустить, посочувствовать Южной Корее и порадоваться, что у них сейчас всё гораздо лучше. И, пожалуй, это — главное. Источник: meownauts.com
|
05 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Одесса» |
В расплавленную жарой Одессу 1970 года к многочисленным родственникам жены, которые ютятся под одной крышей, на каникулы прибывает вальяжный журналист из Москвы Борис (Евгений Цыганов) вместе со своим сыном Валериком. Мама Алла пока задерживается, а вскоре выяснится, что из‑за эпидемии холеры весь город будет закрыт на месячный карантин без права выезда и въезда. Герой Цыганова проведет интересное лето с детскими плесканиями у моря, шумными спорами за еврейские корни, юношеской влюбленностью, автоматным обстрелом лодки и холерной палочкой.На самом деле фильм гораздо более полифоничный в плане персонажей, и Цыганов тут вовсе не главный герой, как может показаться. Могучими столбами торчат излюбленные артисты Тодоровского Леонид Ярмольник и Ирина Розанова, зарумяненные под натуральных одесских зятя и тещу (всех особенно впечатляет пузико Ярмольника, которое, конечно, претендует на новый шаг в карьере артиста после «Трудно быть богом»). Есть свои подробности и у сюжетной линии взрослых дочерей, которых исполнили Евгения Брик и Ксения Раппопорт. Но проблема в том, что все они существуют в настолько разных актерских техниках, что иногда даже с трудом монтируются друг с другом. Это бросается в глаза не столько из‑за какофонии акцентов (что вполне объясняется расколом поколений), а именно сценической органикой: кто‑то дает «большой русский театр», кто‑то комедию, кто‑то естественен, кто‑то сам себе Цыганов. Это сильно влияет на восприятие и так неидеального по структуре фильма, тем более когда это лоскутное одеяло по-актерски перетягивается в разные стороны. Хотя, по идее, фильм не должен был страдать от отсутствия цельного взгляда на происходящее, ведь «Одесса» — личное кино, давняя мечта Валерия Тодоровского, сплошное воспоминание об одесском детстве. Неслучайно мальчика Валерика зовут именем режиссера. По фильму даже разбросаны сцены-вспышки от первого лица, где мы видим мир ребячьими глазами: это те секунды, которые Валерик запомнит на всю жизнь. Поэтому в фильме, безусловно, есть крен в сторону пионерского настроения — музыка Анны Друбич взлетает выше ели, оператор Роман Васьянов чуть ли не выжимает сок из изображения. Даже взрослые персонажи как будто оказались в плену детского восприятия: до слез обижаются друг на друга, категорически уходят из дома и тут же мирятся, героини Брик и Раппопорт ведут себя так, как будто им по 15 лет, да и Цыганов постепенно превращается в мальчишку, что заканчивается соответствующей любовной линией. Все это есть в фильме. Не хватает главного — того, что обычно помогает сшивать куски времени, как это было в фильмах Алексея Германа, которые тоже порой состояли из детских ощущений, разных цветов, запахов и героев. Единой интонации. Звенящего интонирования, которое, как метроном, собирало бы и артистов, и картинку, и музыку в общий гул, равный самому себе. В итоге «Одесса» ощущается как две серии одного телесериала. Первая — про подробности отношений внутри семьи, вторая уже достается герою Цыганова. Если уж и сравнить с сериалом, то давайте сразу с «Чернобылем», хотя это не совсем честно, потому что «Одесса» вовсе не про город-катастрофу. Но все равно Тодоровский тоже использует тему карантинной зоны в Украинской ССР как удобную метафору целой страны, которая боится взглянуть правде в глаза. Как и радиация, холера в фильме останется невидимой угрозой, не появляясь напрямую в кадре — лишь только отзвуками, как голос Аллочки в телефонной трубке. Холера и Аллочка — два сюжетных макгаффина, которые мы слышим, но не видим. Зато они катализируют главный конфликт. В запертой душной обстановке главные герои, возможно, впервые в жизни начинают проговаривать свои многолетние травмы и страхи. Всем больно, но это освобождает. Набор болевых точек репрезентативный: КГБ, предательство родины, еврейский вопрос, свобода творчества, строгое воспитание. Герою Цыганова посвящена вторая часть фильма, и он выступает пациентом икс холерного наваждения — не случайно его приезд совпадает с распространением вируса. Борис — человек из Москвы, а значит, у него нет устойчивого иммунитета против одесского воздуха. Нечто живое впервые проникает в его сердце в виде влюбленного взгляда соседской девочки, но он вынужден отгораживаться, как и весь город, закрываться все глубже и глубже уходить во внутреннюю эмиграцию: в чужой город, в соседний дом, на карантинный корабль. Другие персонажи на фоне болезни начинают проявлять схожие симптомы и выбиваться из оков (втихаря пить вино в подвале, признаваться в измене, купаться ночью на пляже). А Борис не может, потому что табу. Поскольку ударный момент ложится на героя Цыганова, то именно его сюжетная линия вдруг принимает облик авторского сопереживания. Другое дело, что рифма жажды свободы с тягой к 15-летней девочке со стороны Тодоровского выглядит почти что подрывной деятельностью в современном мире раздухарившейся киноэтики. Фильм показывает вечно запрещающий и замалчивающий русский мир, где неслучайно присутствует персонаж, лишенный дара речи, в лице инвалида Жорика (Сергей Сосновский), но вместе с Борисом начинающий орать о задавленных мужских чувствах. На корабле Борис буквально кричит в лицо капитанше явно прозападного толка, перед которой он вынужден постоянно оправдываться, о своей юной спутнице: «Да что вы вообще понимаете?!» Пока нынешние зрители поеживаются от одной только мысли, что в фильме могут присутствовать романтические нотки «Лолиты» и сцены, где взрослая женщина обнажается перед мальчиком, Тодоровский постулирует, что в этом опыте нет ничего пугающего, а вот замалчивание правды жизни травмирует куда больше. Довольно неоднозначно, но вот было такое аномальное лето, только все сдуло ветром вместе с холерой, ничего не осталось — в конце мы видим опустевший дом. Вот уж точно не тот фильм назвали «Паразитами». Источник: afisha.ru
|
05 Сентября 2019 0
Рецензия на фильм «Коко-ди Коко-да» |
Супружеская пара отправляется на отдых в один из особо сложных периодов совместной жизни. Стараясь спрятаться от ужасного совместного прошлого, они все больше отдаляются друг от друга. Но вскоре их жизнь перевернет вторжение загадочных незнакомцев, которые нападут на них следующим же утром. Кошмар повторяется снова и снова — и из него возможен лишь один выход.Фильм Йоханнеса Нюхольма — из тех, в упоминании которых нельзя обойтись без слова "авторский" и без приставки "арт-". Отбросив в сторону шаблоны, режиссер создает собственный сюрреалистичный мир из иносказаний, некоторые из которых прочитываются легко, а для других придется пересмотреть ленту еще раз. Примерно такой же результат получился бы, если бы Дэвид Линч переехал в Швецию и решил бы снять там ремейк "А теперь не смотри". Но "Коко-ди Коко-да" сложнее и страшнее, чем кажется на первый взгляд. Это не простой ужастик о выживании, замиксованный под "День сурка", хотя можно его рассматривать и в таком ключе. В первую очередь фильм Нюхольма обращается к глубинному, первобытному ужасу человека перед смертью — как собственной, так и близких. Герои, которые всеми силами пытаются сбежать от неизбежного, вынуждены столкнуться со своим кошмаром во плоти, лицом к лицу, и пройти пять перерождений, пять известных стадий — отрицание, гнев, торг, депрессия и, наконец, принятие. То, как интересно режиссер оборачивает эту идею в слои жуткого макабрического триллера, а также играет метафорами вроде отсылок к "Алисе в стране чудес", вызывает лишь восторг. "Коко-ди Коко-да" силен и как драма, и как ужасы, и как притча. А умное кино посмотреть всегда приятно. Среди актеров особенно впечатляет исполнивший роль странного старика с тростью Петер Белли — к слову, известный датский певец. Впрочем, отличным можно считать кастинг каждого из персонажей фильма, даже тех, кто на протяжении всех 90 минут не скажет ни слова. Работе оператора во многом помогает локация съемок: невероятной красоты закаты на темнеющем небе очень удачно вписываются в тревожную, нереальную атмосферу происходящего. А заглавная мелодия с каждым новым повторением вызывает все более сильный эмоциональный отклик. "Коко-ди Коко-да" обманывает зрителя, как умелый фокус — и при этом пугает не столько при просмотре, сколько в процессе осознания увиденного, играя на самых незащищенных струнах души. Великолепно отыгранная, надолго западающая в голову история стала одним из главных хоррор-событий года и серьезным посылом о том, зачем нужно жить и как пережить то, что, казалось бы, пережить невозможно. Источник: horrorzone.ru
|
30 Августа 2019 0
Рецензия на фильм «Тачка на миллион» |
В 70-х агенты ФБР ловят незадачливого пилота Джима Хоффмана (Джейсон Судейкис) с бесстыдно крупной партией кокаина на борту и тут же заставляют стучать на шишек наркобизнеса. Джим опасается за себя и близких, но деньги от правительства всё-таки берёт – на них он переезжает с семьёй в хороший район, где случайно селится по соседству с самим Джоном ДеЛореаном (Ли Пейс), гениальным автомобильным инженером и бывшим руководителем подразделения в концерне General Motors. Дружатся они, находясь буквально над капотом общего автомобиля: Джим его когда-то приобрёл, а Джон ещё раньше изобрёл. Оказывается, в настоящий момент эксцентричный богач с седыми волосами и любовью к красивой одежде ищет инвесторов для своего нового проекта: этичного спорткара из нержавейки, названного непосредственно в честь своего изобретателя.Перед нами уже второй, наряду с новым Тарантино, фильм про жизнь соседей замечательных людей. Реальный Джон ДеЛореан – создатель одноимённого авто и третьего главного героя «Назад в будущее» (есть мнение, что первого), на которое тут поразительно не дали ни одной отсылки – действительно был богатым и образованным инженером, попавшим в центр скандала и уголовного расследования. Именно об этих перипетиях его судьбы рассказывает работа Ника Хэмма, как-то раз уже снимавшего фильм о знаменитостях глазами простых людей («Убить Боно»). В данном случае, правда, режиссёр всецело на стороне звезды и практически признаётся ДеЛореану в любви в каждом кадре. Его, на момент событий фильма уже почти шестидесятилетнего дедушку, играет сорокалетний актёр с чересчур выразительными глазами и показной сексуальностью. Но это не единственная искусственность картины, и если бы не было доподлинно известно, что основана она на реальных событиях, можно было решить, будто перед нами нарочитый фарс. Слишком ненастоящие преступники, слишком эмоциональные федералы, слишком карикатурный главный герой (разве такой человек мог закончить лётную школу?), даже адвокат, которого играет Джастин Барта – тот, кого постоянно теряют в «Мальчишнике» – слишком адвокат. Иногда всё это неумело переваливается в драму, иногда в комедию, сценарист даже находят в себе смелость озвучить запретное, но разделяемое каждым американским (и может, даже ирландским) автолюбителем мнение, мол, ДеЛореан был не такой уж и хорошей тачкой. Хочется верить, в грядущей документальной ленте об этом почти великом, но хорошем человеке, и о его почти плохом, но великом автомобиле, где роль Джона исполнил Алек Болдуин, будет побольше правды и поменьше обожания. А вообще, раз уж Хэмм снимал своё творение в таком ключе, стоило, возможно, переписать финал, дать всей этой кутерьме с наркотиками завершиться удачно для создателя культового средства передвижения. Будто бы ДеЛореан в итоге получил нужные деньги, спонсировал ими работу и сделал свой автомобиль мечты именно так, как задумывал. Чтобы каждый человек хотел иметь собственный ДеЛореан, чтобы тот не ржавел и не ломался, и стоил умеренно. И чтобы для создания такого чуда впрямь не хватало бы каких-то пары десятков миллионов кокаиновых долларов. Источник: 25-k.com
|
30 Августа 2019 0