Обзоры фильмов
Рецензия на фильм «Соната» |
Молодая и подающая надежды скрипачка Роза (Фрея Тингли) работает на студии, записывая новые композиции. Вдруг, как снег на голову, на неё сваливается ошарашивающее известие – её отец Ричард Марлоу (Рутгер Хауэр) скончался: знаменитый композитор давным-давно бросил дочь и свою жену, став затворником и полностью отгородившись от мира. Продюсер Чарльз (Симон Абкарян) не рассказывает своей подопечной главного – Марлоу не просто умер, а покончил с собой, причем диковинным образом: облился бензином и, как нетрудно догадаться, сгорел заживо. Несмотря на стойкую неприязнь к человеку, который покинул её, Розе не остаётся ничего иного, кроме как немедленно отправиться во Францию – в мрачный особняк Ричарда Марлоу. Единственный потомок композитора наследует не только старое поместье, но и все загадки, оставленные гениальным музыкантом. Дебютант в полном метре Эндрю Десмонд – до этого режиссёр ограничивался короткометражками – не показывает никаких выдающихся качеств гениального жанрового постановщика: впрочем, операторская работа и визуальная составляющая фильма (мрачно-блеклая картинка выглядит ровно так, как должна) не вызывают никаких специфических нареканий. Про Рутгера Хауэра сказать решительно нечего (не оценивать же его работу по нескольким минутам появлений), зато можно оценить актрису Фрею Тингли, впервые играющую главную роль (до этого она появлялась несколько раз в фильмах и сериалах на втором плане): молодой актрисе явно не хватает запала для того, чтоб как-то украсить свою героиню. За неё отдувается обаятельный Симон Абкарян, играющий продюсера Розы и своеобразного суррогата настоящего отца. «Соната» начинается сразу с заявленного события – зритель, глазами Ричарда Марлоу (съемка ведется субъективной камерой), становится очевидцем последних минут жизни таинственного персонажа. Его играет главная звезда фильма – Рутгер Хауэр: впрочем, здесь нет «живого» появления персонажа композитора. Он возникает в виде участника youtube-интервью, в качестве фотографий и, конечно, как галлюцинация и незримый дух (не в буквальном смысле), преследующий свою дочь. Оставленная им последняя соната, которая должна была стать magnum opus, оказывается не просто ключом к тайнам его жизни, но и вратами в потустороннее. О связи музыки и трансцендентного было уже немало сказано, снято и написано (например, рассказ «Музыка Эриха Цанна» Говарда Филлипса Лавкрафта): «Соната» не добавляет к этому ничего принципиально нового, но и не фальшивит, играя более-менее предсказуемую, но приятную мелодию. Это же касается и сюжета: понятно, что некоторые персонажи окажутся предателями, так же как и то, что обязательно найдется связь с каким-нибудь оккультным обществом. «Сонате» остро не хватает какой-то свежей идеи или оригинального сюжетного поворота: персонаж Рутгера Хауэра здесь выступает в роли перфекциониста, который тщательно защищает классическую музыку, тоже самое можно сказать и про сам фильм, который старательно нагнетает атмосферу давно проверенными способами, но не способен сыграть что-то своё. Последнее музыкальное произведение композитора, фигурирующее в фильме, становится инструментом для проникновения в потустороннее – к сожалению, нельзя сказать, что режиссер Эндрю Десмонд стремится к подобным вершинам. Старательно сделанная «Соната» не вызовет у вас отторжения, но обязательно заставит задуматься – где-то эту мелодию я уже слышал. Источник: kinoafisha.info
|
15 Ноября 2018 0
Рецензия на фильм «Холодная война» |
Мир кино бывает чрезвычайно двуликим: снимаешь фильмы лет двадцать, у тебя играют Сергей Бодров-младший, Пэдди Консидайн, Итан Хоук, Эмили Блант, фильмы получаются хорошие, их номинируют на всяких «Бафтах», Эдинбургских кинофестивалях и прочих собраниях киноэлиты чуть выше среднего в мировом масштабе. Но Канны, Берлин, Венеция, «Оскар», «Золотой глобус» и прочие мероприятия почему-то обходят тебя стороной. Может, снято слишком натуралистично — всё-таки полтора десятка лет в документальном кино дают о себе знать. Может, сюжеты не те — ну кому интересно смотреть фильмы про Владимира Жириновского, взрыв автобуса и несовершеннолетних лесбиянок? Чёрт его знает, короче. Но в какой-то момент ты снимаешь «Иду», неплохой, в общем-то, но невероятно прагматичный фильм про Холокост, получаешь «Оскар», показав фигу Андрею Звягинцеву, — и все начинают тебя превозносить: кричат о новом режиссёре мирового уровня, зовут в конкурс Каннского кинофестиваля и вообще делают вид, что ты уже давно с ними, по заслугам осыпаемый почестями.«Холодная война» — фильм, пожалуй, ещё более прагматичный, чем предыдущий опус Павла Павликовского. Хотя это точно идёт ему на пользу. Второго «Оскара» режиссёру, правда, не видать: противостояние Западного и Восточного полушарий никогда не было такой животрепещущей темой, как Холокост, который проходил в «Иде» где-то за кадром, при этом неумолимо влияя на восприятие фильма. Здесь же сюжет о любви руководителя польского партийного ансамбля песни и пляски Виктора и молодой певицы Зулы обрамлён событиями политическими, происходившими во второй половине XX века. Эмиграция поляков за границу в связи с приходом тотального культа личности Сталина, еврейские погромы, тотальная коллективизация и репрессии — всё это проходит фоном, оттеняя историю двух людей, которые в силу различных разногласий не могут быть вместе. Павликовский действительно умеет снимать кино, в этом ему не откажешь. Совершенно сногсшибательные актёры Джоэнна Кулиг и Томаш Кот разыгрывают историю патологического влечения людей, чувства которых остывают и вновь разгораются каждый раз, когда очередная напасть сваливается на их головы. В бесконечных играх двух влюблённых, но очень разных людей друг с другом и проходит весь фильм. Изображение тоже порой не прочь почудить. Камера Лукаша Зала, недавно отснявшего Алексею Герману-младшему «Довлатова», запечатлевает красивые холодные интерьеры, в которых человек словно утопает, становится лишь элементом пейзажа. Подобный метод применял Ален Рене, снимая свой шедевр отчуждённости «В прошлом году в Мариенбаде». В фильме также очень много зеркал: они усиливают ощущение абстрагированности, иллюзию объёмности происходящего, когда порой мы понимаем, что видим не людей даже, а лишь их отражения. Фильм весьма иносказателен: под «холодной войной» подразумевается не только закадровое противостояние Востока и Запада, но и драматические отношения героев. Павликовский на их примере демонстрирует, что бывает, когда люди, вынужденные бежать из родной страны, меняют свой менталитет, а вместе с ним и отношение к жизни и друг другу. Очень показательна фраза, которую Зула говорит Виктору после их пребывания в Париже: «В Польше ты был мужиком, здесь с тобой что-то произошло». Покинув родину, они принимают чуждые им буржуазные ценности, например джаз, который совершенно не идёт Зуле с её народным горловым пением и явно не по вкусу Виктору (одна из самых мощных сцен в фильме убедительно подтверждает это). Это превращает их в чужих для самих себя людей — и в чужих друг для друга. Это подталкивает их к разрушительным поступкам, к потере моральных ориентиров — и, как результат, к мощной развязке. «Холодная война» — фильм вроде как о прошлом. Но на самом деле он крайне актуален в наше время. Полвека назад Микеланджело Антониони снимал свои шедевры «Ночь», «Красная пустыня» и «Путешествие», в которых рассуждал о некоммуникабельности и потере контакта между людьми. Нынешний Каннский фестиваль, откуда фильм Павликовского и пожаловал, уже показал массовому зрителю другой фильм о глобальном социальном расстройстве — «Пылающий». Павликовский же дал этой болезни подходящее название — «Холодная война». И спасения от неё как будто бы и нет — только изменить себе, перейти на «другую сторону, где вид лучше». Или умереть. Источник: kg-portal.ru
|
12 Ноября 2018 0
Рецензия на фильм «Оверлорд» |
Никогда не задумывались, почему тема нацистского оккультизма и прочая псевдонаучная срань Третьего рейха так и не прижились в современном кинематографе? Ну, кроме самой очевидной причины. Конечно, европейцы иногда пугают зрителя какой-нибудь разудалой вульгарщиной, а отдельных уеболлов и вовсе хлебом не корми, дай проткнуть Чёрное Солнце копьём Лонгина (не путать с Логвиновым), однако голливудские студии будто бы нарочно игнорируют столь плодородный в плане творчества культурный пласт.Возможно, «Мальчики из Бразилии» с Грегори Пеком и Лоуренсом Оливье ещё в 1978 году доказали, что данная тема слишком специфична и не особо привлекательна. Возможно, дело в природной трэшовости исходного материала, совладать с которой могут лишь мэтры вроде Гильермо дель Торо (да, мы всё ещё поминаем адского Григория Распутина и механических ниндзя из первого «Хеллбоя» шизофреническим смехом, но по неизвестным науке причинам это было офигенно). Возможно, кинематографистов пугает тот факт, что игроделы справляются с чем-то гораздо лучше, в то время как экранизации компьютерных игр терпят крах одна за другой. Причин, как вы уже догадались, может быть больше одной. Тем приятнее смотреть «Оверлорд» и осознавать, что древнее проклятие наконец-то разрушено. С ним произошло ровно то же, что с любым другим проклятием кинематографа: пришёл самородок, который всё сделал грамотно. Это вовсе не значит, что фильм идеален и прекрасен со всех сторон, — просто ему удалось совершить маленькую жанровую революцию. Отныне мы знаем, что очевидный трэшняк про нацистских зомби может быть вполне серьёзным и дружелюбным по отношению к массовому зрителю. Начнём с того, что выглядит «Оверлорд» намного дороже, чем он есть на самом деле. Хвалить за это стоит кинокомпанию Дж. Дж. Абрамса Bad Robot Productions, ответственную за линейку фильмов «Кловерфилд», сериал «Мир Дикого Запада» и кучу высокобюджетных блокбастеров типа «Стартрека» и «Звёздных войн». Картинка делает добрую половину фильма, который с первых кадров позиционирует себя как реалистичный, но яркий и красочный военный экшен. Открывающая сцена десантирования великолепна до тошноты, да и последующие события в лесу, сопровождаемые тревожной музыкой Джеда Курзеля, заставляют зрителя нервно поёживаться в кресле. Невольно закрадывается мысль, что не так уж и сложно в наше время снять каноничного «Хищника». Нужно просто чуточку постараться, эй! Гиперактивные дети не преминут посетовать, что второй акт ленты заметно уступает первому и третьему по части экшена, мясовзрывов и прочей движухи. Если честно, тарантиновские посиделки в доме Хлои и впрямь выглядят несколько чужеродно и затянуто, хотя именно благодаря им зритель знакомится с героями ближе и проникается атмосферой чуть глубже. Не каждый день на больших экранах появляются очаровательные француженки и коварные нацистские офицеры, знаете ли! Чувствуется академическое вмешательство мистера Абрамса, что не есть плохо, но странным образом сказывается на восприятии в целом. Эффекта провисания нет, зато шрамы на жертвенной плоти пунцовеют неприличными оттенками. Судя по всему, значительную часть материала, «растягивающего» и обогащающего местную историю деталями, снимали и добавляли уже на стадии постпродакшна, ибо некоторые монтажные склейки натурально обескураживают. Очень может быть, что изначально фильм всё-таки пытались связать со вселенной «Кловерфилда», но потом познали дзен и вырезали все улики к чертям. Что-то явно было вырезано, ведь останки лысых «шакалов» не появляются в лесах на севере Франции сами по себе. К счастью, таких подозрительных атавизмов в фильме мало, а все монтажные шероховатости старательно приглажены раскалённым утюгом. К минусам можно отнести некоторые действия главного героя, которые не то чтобы глупы, но как-то слабо оправданы, что ли. Да, нам объяснили, что Бойс не любит убивать животных. Но не настолько же, чтобы бегать от атакующей собаки, роняя кал и подставляясь под возможный вражеский огонь! Ладно, ладно, это неудачная придирка. А как же сцена, навеянная передозом Мии Уоллес из «Криминального чтива» и способная ввергнуть скептически настроенного зрителя в глубокие раздумья? Нестандартное мышление в действии, как говорится. Бойс, дружище! Страшно представить твоё прошлое. Ты точно лужайку косил, когда тебя забрали на войну? С другой стороны, даже такой финт можно оправдать тем, что чувак уже побывал в нацистской лаборатории и видел некоторое дерьмо. Действовал интуитивно, стало быть. Вообще, попытка сценаристов продемонстрировать постепенное превращение испуганного чёрного паренька в уберзольдат однозначно удалась. Как видите, позволяя себе маленькие сюжетные глупости, «Оверлорд» всегда подстраховывается, и это приятно. Ещё приятнее наблюдать, как он расправляет крылья ближе к третьему акту, оборачиваясь смачной зубодробилкой с интересными визуальными решениями, реально пугающими хоррор-элементами и чутко выверенным балансом между практическими спецэффектами и CGI. Короче говоря, именно заключительная часть переводит фильм в высшую лигу трэша. Очень интеллигентного трэша, надо сказать: авторы проявили утончённый вкус и не переборщили ни с мясом, ни с глупостями. Более того, если включить воображение на полную катушку, картина Джулиуса Эйвери вполне себе тянет на реалистичную предысторию операции «Оверлорд», пусть и с небольшими вкраплениями фантастики. Ожившие трупы — это не тролли и оборотни, в конце концов! Мертвецы так часто оживают на экране, что почти стали нормальным явлением. Душевная, аккуратно закруглённая концовка мягко намекает на продолжение, и это как раз тот случай, когда сиквела действительно хочется, благо некоторые из выживших персонажей прямо-таки просятся в самую ублюдочную версию «Бесславных ублюдков». С толпами нацистских зомби, мехами и гигантским мутировавшим Гитлером в качестве финального босса. Ага, мы знаем, о чём вы сейчас подумали. Самое забавное, что голливудскую экранизацию игры Return to Castle Wolfenstein когда-то должен был снимать сценарист «Криминального чтива» и «Бешеных псов» Роджер Эвери, но что-то пошло не так. Всё пошло не так, если точнее. «Оверлорд» вполне может стать основоположником нового киношного тренда, если не облажается в прокате. Другое дело, что продвигаемые им идеи и жанр слишком уж специфические. А тренды, даже хорошие, в наши дни долго не живут и быстро скатываются известно куда. Источник: kg-portal.ru
|
09 Ноября 2018 0
Рецензия на фильм «Девушка, которая застряла в паутине» |
 Начнем с того, что писатель Стиг Ларссон, написавший бестселлер - трилогию "Миллениум" о Лисбет Саландер, из которого более всего известна первая часть "Девушка с татуировкой дракона", во второй и третьей части затронул тему болезненных взаимоотношений героини с ее отцом. Последний имел отношение к России, что можно понять даже по его фамилии Залаченко. "Девушку с татуировкой дракона" экранизировали дважды. Первая экранизация - шведская. Сделана в 2009 году режиссером Нильсом Арденом. Главную мужскую роль - журналиста Микаэля Блумквиста - сотрудника журнала "Миллениум" в ней сыграл популярный шведский актер Микаэл Нюквист. В роли Лисбет Саландер - Нуми Рапас. В принципе, в 2009-м в Швеции была экранизирована вся трилогия. И те же актеры играли главные роли во всех фильмах.Но в 2011 году за "Девушку с татуировкой дракона" взялся Голливуд. А именно - режиссер Дэвид Финчер, автор знаменитой "Исчезнувшей". Поскольку роль Микаэля Блумквиста сыграл Дэниел Крейг - Джеймс Бонд нескольких последних фильмов знаменитой франшизы - сравнений с "бондианой" уже тогда было не избежать. Несомненной удачей фильма 2011 года была Руни Мара в роли Лисбет. А в целом проект показал впечатляющие сборы и стало ясно - продолжение последует. Однако трогательная история взаимоотношений Лисбет с отцом, и ее детство и становление, описанные в романах Ларссона "Девушка, которая играла с огнем" и "Девушка, которая взрывала воздушные замки", в основу нового фильма не легли. Он был сделан по произведению Давида Лагеркранца "Все, что не убивает" (оригинальное название), который решил дописать знаменитую трилогию после того, как Ларссон в возрасте 50-ти лет ушел из жизни. Или, скорее, переписать на свой лад. По этой книге и снят новый фильм режиссера Альвареса, о котором, перефразируя известный афоризм, можно сказать "все, что не убивает, делает нас слабее". Удача картины - Клэр Фой в роли Лисбет Саландер. Актриса, которую зрители знают как королеву Елизавету в сериале "Корона" и роли жены астронавта - главного героя фильма "Человек на Луне", нашла свой ключик к персонажу. Но пластмассовую картину, подделку под "бонда" это не спасло. Дело в том, что Саландер в отличие от Бонда человечек крайне уязвимый. Стать лучшим спецагентом сильнейшей в мире разведки - это не про нее. Она-то конечно сотрудничает со специалистами и помогает раскрывать преступления, но долгое время девушка была изгоем в обществе, в результате чего стала социопатом-одиночкой, не имеет ни родных, ни друзей, и в хакеры пошла не от хорошей жизни - общаться в Сети ей легче, чем напрямую. Ахиллесова пята Лисбет - семейные отношения. Отец - насильник и садист, сестра, которая не могла ему противостоять. В книгах Ларссона у Лисбет есть еще и сводный брат - гигант нечеловеческой силы, и обладатель наперсточного ума Рональд Нидерман, который выполняет при преступнике-отце роль - нечто среднее между мальчиком на побегушках и телохранителем. В новом фильме этого персонажа нет, да и отношения с отцом не раскрыты. Авторы предпочли заменить их женской темой - выяснением отношений между двумя сестрами. Фильм начинается с конъюнктуры - реверанс в сторону движения #metoo: Саландер - защитница женщин, которые испытывают семейное насилие, решает проблемы одной отдельно взятой семьи. Сцена сделана уже неправдоподобно, но авторы идут дальше, заставляя одинокую хакершу спасать мир, угрозу которому составляет секретная разработка ученого Болдера, попавшая в нехорошие руки. Из фильма непонятно то, что прописано в книге Лагеркранца: именно с этой разработкой Болдер пришел к журналисту Микаэлю Блумквисту с просьбой его защитить. В фильме же Блумквист (в этой роли Сверрир Гуднасон, которого отечественный зритель мог недавно наблюдать в спортивной драме "Борг/Макинрой" - он играл Борга), попадает в историю ниоткуда и непонятно из-за чего. Более того, режиссер наделяет известного смелого журналиста чертами инфантильного мужчины, рядом с которым любая женщина кажется обладающей невиданной силой. Даже если это не Лисбет Саландер. На сеансе можно одобрительно покивать, наблюдая за некоторыми трюками - например, тем, как мотоцикл передвигается по льду. Хотя в той же "бондиане" гонки в вечной мерзлоте были сделаны гораздо лучше. А более - ничем. Единственное, что может заставить задуматься - почему в семейных отношениях, когда один человек делает свой собственный выбор, вину за него он предпочитает переложить на самого близкого, да еще и сделать так, чтобы тот всю жизнь чувствовал себя виноватым. Эту тему можно с натяжкой разглядеть в последней сцене выяснения отношений между двумя сестрами, при том, что в целом она претендует на звание самого неискреннего эпизода в фильме. Казалось бы - у Ларссона все довольно логично было описано: существует два типа женщин, в данном случае - родные сестры. Одни - мягкие и покорные, которые не в силах противостоять злу и насилию, другие - те, кто не боится их защищать, идти против общественных устоев, остаться одинокими, но отстоять свою правду - такова Лисбет Саландер, и этим привлекателен ее образ. В фильме же, снятом по совсем другой книге, слабая женщина, неспособная к сопротивлению и сделавшая свой выбор в пользу покорности, в какой-то момент превращается в жестокую преступницу, для которой не существует ничего святого. В основе такого радикального поворота уже лежит некая неестественность, так что можно название и суть фильма истолковать следующим образом - в паутине запутался сам режиссер. Кстати, название картины имеет несколько смыслов. Паутина имеется в виду и Интернет, и сеть человеческих взаимоотношений. Но организацию главных злодеев, от которых нужно спасти мир, прямо в лоб так и зовут - "пауками". Так что места фантазиям не остается. Источник: rg.ru
|
09 Ноября 2018 0
Рецензия на фильм «Пришелец» |
Первая российская экспедиция на Марс грозит обернуться полным провалом. Из-за форс-мажорных обстоятельств космический корабль теряет управление при посадке на другую планету. Спасти экипаж в этой ситуации может только жертва - командир корабля Александр Чапаев (Александр Куликов) вынужден отстыковать свой отсек и в одиночестве остаться на Марсе. И он это делает, не задумываясь.Чуть позже начальник центра управления полетом Александр Ковалев (Андрей Смоляков) пытается организовать экстренную операцию по спасению космонавта. Но на это нужны огромные средства, которые правительство выделять больше не готово. Приходится привлекать всяких подозрительных манипуляторов и втягивать затерянного на Марсе Чапаева в различные грязные игры. А тот все больше уходит в себя, потому что на Марсе его берут в оборот какие-то таинственные сущности. А может, ему это только кажется? Говоря о «Пришельце», невозможно не вспомнить о «Марсианине» Ридли Скотта. Продюсеры российской ленты, кажется, и сами не против таких сравнений. Однако между двумя фильмами есть одно существенное различие. Если герой Мэтта Дэймона с самого начала ведет себя как законченный прагматик и начинает выращивать себе провиант, то Чапаева такие мелочи не волнуют вообще (тем более, щедрые создатели «Пришельца» отвалили ему припасов с барского плеча на целых три года). Вместо того, чтобы заняться научными экспериментами или попытаться как-то облегчить себе участь в экстремальных условиях, российский космонавт начинает задаваться вечными вопросами и жадно прислушиваться к голосам внутри себя. В какой-то момент он радостно заявляет, что таким счастливым себя никогда не ощущал. Поводом для рефлексии становится даже марсианская дегустация лука («На Земле я его ненавидел, может, здесь будет другой вкус? Тьфу, такая же гадость!»). Для любителей жанрового кино в «Пришельце» слишком много топтания на месте и алогичных поворотов сюжета. Любителей арт-хауса, напротив, может разочаровать не слишком глубокий «заныр». Адепты же метафизики наверняка удивятся, зачем нужно лететь за 55 миллионов километров, чтобы найти путь к себе? Может быть, достаточно походов в соседний храм или шефства над каким-нибудь детским домом? Печально, но взглянуть на «Пришельца» с другой стороны помогает факт реальной гибели режиссера и исполнителя главной роли Александра Куликова. В этой ситуации все произнесенное его персонажем с экрана наделяется особым смыслом - как завещание всем нам. Наверное, любой актер втайне мечтает о том, чтобы его последняя роль оказалась столь же многозначной, а не очередным ментом или криминальным авторитетом. Источник: intermedia.ru
|
09 Ноября 2018 0
Рецензия на фильм «Богемская рапсодия» |
Однажды Фредди заберёт тебя. Кем бы ты ни был, чем бы ни занимался, какую бы религию ни исповедовал. Это случится почти наверняка, даже если ваше знакомство началось с такого грустного события, как смерть. С инфернального клипа на песню The Show Must Go On, сшитого из кусков прочих видео Queen, который показывали по первому останкинскому телеканалу. Безусловно, тогда это казалось тебе инопланетным посланием, и тогда же зерно упало на почву. Рано или поздно настанет день, когда прямые твоих интересов, возраста и жизненных ценностей пересекутся в заветной точке и ты будешь готов отправиться в путешествие.Только не подумайте, что «Богемская рапсодия» по щелчку пальцев выдаст вам золотой билет. Важно понимать, что Фредди всегда приходит сам, а когда он приходит, любой нормальный человек моментально оставляет надежды на откровенную и неподслащённую экранизацию. Этому есть простейшее объяснение: пока живы Брайан Мэй и прочие члены королевской семьи, мятежу не бывать. Если нести дозор, то до конца, верно? Фредди завещал не делать его скучным после смерти, но вряд ли он имел в виду скандалы, интриги, расследования. И «Богемская рапсодия», в общем-то, справляется с поставленной задачей, касаясь деликатных тем очень аккуратно. Хорошо ли это? Ну, далеко не всегда. Родительская опека Мэя и компании довлеет над фильмом постоянно, вы буквально видите длинную кучерявую тень за каждым углом. Как результат — центром местной вселенной оказывается вовсе не Фредди, а Семья (где-то встрепенулся один Вин Дизель), что само по себе прекрасно, хоть и чревато неизбежными проблемами. Тема конфликта и примирения выходит на первый план, а раз так, авторам стоило бы уделить остальным членам группы чуть больше внимания, сделать характеры более объёмными и колоритными. Уж поверьте, Брайан Мэй, Роджер Тейлор и Джон Дикон того заслуживают. Вырисовывается неловкая ситуация: случайный зритель может и вовсе не понять, с чего вдруг четверо мужиков называют себя семьёй и то и дело обнимаются. Вряд ли это следствие природной скромности музыкантов Queen, не пожелавших открыться для потомков, скорее — признак криворукости сценаристов, упрощавших сюжет на протяжении десяти лет. Именно упрощавших, а не переделывавших, ибо сценарием «Богемской рапсодии» можно бить по голове нерадивых студентов факультета кино и телевидения. Не так страшны хронологические погрешности, как простота местного сюжета. Достаточно изменить в нём всего несколько деталей, чтобы получилась классическая киношная история о вновь обретённой дружбе. С обязательными переоценкой ценностей и возвращением главного героя в лоно любящей семьи. Это… не совсем то, чего хотели фанаты, не так ли? В истории Queen есть два ключевых момента: создание Bohemian Rhapsody в 1975 году и выступление на благотворительном музыкальном фестивале Live Aid в 1985-м. Оба события можно считать эпохальными, ведь одно сделало группу знаменитой, а другое подарило ей второе дыхание, когда надежды почти не оставалось. Сценаристы не мудрствовали лукаво и протянули шаткий мост повествования аккурат между этими двумя точками, бегло пройдясь по фактам и частенько игнорируя прочие важные события вроде съёмок видео к той же Bohemian Rhapsody, ставшего, по сути, первым полноценным музыкальным клипом в мире. Манёвр резонный, но предсказуемый и пресный, как овсянка на завтрак. Складывается впечатление, что создатели намеренно свели все риски к минимуму, обложили себя подушками со всех сторон, так сказать. На фоне войны Queen с боссом студии звукозаписи EMI Рэем Фостером за многострадальную Bohemian Rhapsody это выглядит как минимум малодушно. В вас пропал дух авантюризма, господа киноделы! Берите пример с дедов, они плохому не научат. Будьте смелее, сделайте шестичасовую артхаусную феерию с оперой и балетом. Расскажите о чувственных номерах Фредди с Монсеррат Кабалье, о его дивных образах, навеянных творчеством российского танцора и хореографа Вацлава Нижинского. Звучит устрашающе, да? Пожалуй, стоит согласиться с тем фактом, что избранный авторами путь упрощения всего и вся довольно-таки оправдан. Опять же, в озорном семейном водевиле, коим и является «Богемская рапсодия», нет места изнуряющим реалиям музыкального шоубизнеса, постоянному прессингу со стороны СМИ, жесточайшей конкуренции (расцвет панк-рока в Великобритании никто не отменял) и прочим ужасам. Массам не нужна выстраданная история изгоев и чудаков, экспериментировавших с музыкой точно так же, как Стэнли Кубрик экспериментировал с кино. Кубрик опередил своё время; Фредди — тоже. И того, и другого при жизни понимали далеко не все. Ох уж это проклятие художника! Вы ждали экранизацию древнего мифа о богах и монстрах? Обломитесь. Хотели шоу? Получите! Историческая ценность «Богемской рапсодии» стремится к нулю, однако это вовсе не значит, что от неё нельзя словить удовольствие. Будучи скорее придатком чего-то более крупного, нежели полноценным и самодостаточным произведением, лента напоминает карту звёздного неба и требует некоторой подготовки. Не являетесь адептом Queen? Если есть возможность, посмотрите перед походом в кинотеатр хотя бы одну-две документалки, почитайте биографии музыкантов. Получите нужный бэкграунд, да и вообще — информация лишней не бывает. Не хотите делать за Брайана Сингера его работу? Не беда. Просто знайте, что споры о феномене Queen в целом и Фредди в частности не утихают по сей день. А чтобы понять, о чём речь, достаточно посмотреть концертные записи группы в YouTube. Они шокируют, без преувеличения. Фредди мог быть прирождённым шоуменом, стендапером и фокусником, однако это не объясняет той лёгкости, с которой он повелевал многотысячной толпой. Подобно Моисею с его посохом, управлявшему морскими волнами, музыкант лёгким мановением руки творил немыслимые вещи. Ей-богу, становится понятным маниакальное желание тогдашней прессы демонизировать Фредди, наделить его едва ли не сверхъестественными способностями. Смог ли Рами Малек? Смешной вопрос. Сыграть Фредди можно, а вот повторить — примерно то же самое, что решить одну из семи математических проблем тысячелетия. Малек сыграл, и сыграл неплохо. Пускай его маленькое личико не дотягивает до благородного профиля Фредди, а движения порой слишком резки и хаотичны, но парень старается изо всех сил. Разумеется, в нём нет и толики ртутного волшебства, и винить его за это глупо. Вы же не станете ругать своего кота за то, что тот не умеет ходить на каблуках? Важное замечание: сцена выступления Queen на стадионе «Уэмбли» (одна из сильнейших сцен фильма) пробирает до костей, до слёз и кома в горле. Это воистину прекрасно, и объяснить такой эффект одной лишь музыкой нельзя. Что же это значит? А это значит, что Малек был правдоподобен и органичен, иначе картинка попросту не сложилась бы. Вердикт напрашивается сам собой: «Богемская рапсодия» не тянет на исторический документ, но воссоздаёт ключевые моменты легенды с душой и огоньком. В ней есть жизнь, в ней есть чувство восторга. Картина может не оправдывать чьих-то ожиданий, может не отвечать на некоторые вопросы, но она работает. Отказ от демонстрации последних лет жизни Фредди как бы намекает: никто и не собирался нагнетать драму. Кино-то о семейных ценностях! Когда-нибудь снимут гораздо реалистичнее и трагичнее, и дай вам бог выдержать это. А разгадка феномена Queen, как водится, проста: такой человек, как Фредди Меркьюри, не мог чувствовать себя свободным в Великобритании 70-х годов. Посредством своего творчества хитрец создал некую питательную среду, в которой мог жить по-настоящему и вести себя как угодно. Парадокс в том, что у нашего героя не было сценического образа, понимаете? Фредди на сцене — единственный настоящий Фредди. Свободный от комплексов из-за национальности, внешности и сексуальной ориентации, любящий весь мир и любимый всем миром. В тот день, когда каждый человек сможет так раскрыться, планета либо погибнет, либо расцветёт подобно розе. Источник: kg-portal.ru
|
02 Ноября 2018 0